1. Organización de las ideas del texto:
La organización de las ideas de este poema pueden estructurarse de la siguiente manera:
En la primera parte (versos 1- 12): Introducción al ciclo de la vida en su hija, a la que ofrece un consuelo en sus palabras por si en algún momento de su vida se siente sola.
En la segunda parte (versos 13- 36): Destaca la belleza de la vida, la colectividad, también la aportación individual que ella puede hacer al mundo y a las personas. Realza la voluntad y vuelve a ofrecerle el refugio de sus palabras.
En la tercera parte (versos 37- final): Reiteración del lado positivo de la vida, junto al apoyo paterno que siempre le prestará.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser el aliento paterno a la lucha en la vida contra toda dificultad.
El autor da una serie de consejos a su hija en condición de padre, de persona que ya ha vivido parte de la vida, que puede servir como experiencia a los demás. Sabe que en algún momento se sentirá sola, desplazada, sin ganas de seguir... pero él la alienta a no abandonar nunca, a ver siempre un lado positivo en la vida, a unirse a los demás y aportarle algo al mundo. Su padre le recuerda que él no tiene todas las respuestas a todas las preguntas, pero que siempre estará ahí para ella.
3. Comentario crítico:
Este poema, Palabras para Julia, pertenece a José Agustín Goytisolo.
En él intenta servir de apoyo y directriz a su hija sirviéndose de su experiencia, que parece estar empezando a vivir la vida.
En este poema el autor trata los temas fundamentales de la vida, aquellas preguntas y situaciones que todo ser humano ha llegado a plantearse y sobre los que quiere advertir y proteger a su hija. Le plantea problemas como la desesperanza, la soledad e incluso la muerte.
Pero ante todo quiere destacarle que la vida tiene una parte oscura, sí. Pero también está llena de cosas preciosas que son las que tienen que prevalecer sobre lo demás. Le asegura que lo recuerde, que él siempre estará junto a ella, y aunque no físicamente, sentirá el consuelo de sus palabras.
Le aconseja la unión frente a la individualidad "un hombre y una mujer tomados así solos no son nada", cree que los hombres unidos pueden llegar muchos más lejos que separados, sin una comunidad que se arrope. Los hombres individualmente no han llegado a nada, cuando fueron capaces de progresar fue a partir del momento en el que formaron una unidad en la sociedad.
Cuando habla de "su canción", se refiere al hecho de que su hija pueda aportar algo al mundo, a las personas, para mejorar "las canciones de todos", en esta vida debes dar lo mejor de ti mismo, animándola a superarse cada día, animándola a no abandonar nunca y tener una actitud luchadora ante la vida. Le habla desde el cariño y la experiencia, advirtiéndola de que él mismo también se encuentra solo en el camino, él mismo todavía sigue siempre aprendiendo de la vida, ya que nunca nadie llega a un estado máximo de sabiduría, pero con la intención de dirigir a su hija hacia una mayor felicidad y al mismo tiempo asegurarla de que siempre tendrá un gran apoyo emocional en su padre, y cuando este falte, en sus palabras.
martes, 29 de mayo de 2012
lunes, 28 de mayo de 2012
Luces de Bohemia- Valle Inclán
1. Organización de las ideas del texto:
Las ideas del fragmento de este esperpento se pueden organizar de la siguiente manera:
Primera parte, desde la primera intervención de Max hasta la segunda de Don Latino: Alusión a Don Latino como a un buey, con un posterior enfrentamiento al Buey Apis. Don Latino se escandaliza y Max deriva la conversación al "inventor del esperpento", Goya.
Segunda parte desde la intervención de Don Latino a la penúltima de Don Latino: Max da una explicación de lo que se entiende por esperpento. Don Latino se admira ante la inteligencia de su compañero.
Tercera parte, desde la penúltima intervención de Don Latino al final: Max propone la "conversión" de ambos al esperpento, mudándose para ello al callejón del Gato, a lo que Don Latino acepta.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser la única opción representativa de la realidad española, la deformada, el esperpento.
Max parodia con su amigo Don Latino que este se ha convertido en buey y que debe de enfrentarse al buey Apis con su mugido. Cuando Don Latino se asusta, Max introduce el esperpento, "producto" de Goya, en el que los típicos personajes planos son deformados para poder representar su realidad.
Max le da a su amigo una perfecta explicación del esperpento, que deja profundamente impresionado a Don Latino, provocando la mudanza de los dos personajes al callejón del Gato para unirse ellos también al fenómeno del esperpento.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la obra teatral "Luces de Bohemia" de Valle-Inclán, obra con la que estrena su género del esperpento.
Max comienza el diálogo con una metáfora en la que llama buey a su amigo, buey del pesebre belenita que con su mugido ha de enfrentarse al buey "supremo" Apis. Esta métafora podría tener una significación, su amigo Don Latino sería un buey del pesebre belenita, un pesebre que estaba caracterizado por la humildad, la sobriedad, por ser uno más, sin nada en especial. Esto tendría una correspondencia con cualquier ciudadano de a pie, que con su "mugido", con su voz, su voto y su denuncia debería enfrentarse al gran Buey Apis, procedente de la mitología egipcia, que representaba al sol, a lo supremo. Asimismo, el Buey Apis era la revista para la que trabajaba Max que quizá defendía una ideología a la que Max quería contraponerse, y seguramente tratara de esconder la realidad española que tanto se afanó Valle- Inclán en denunciar. Por ello usaría la expresión "lo torearemos".
Para su acusación a esta sociedad española hace uso del esperpento, un nuevo subgénero teatral que creó el autor del texto para representar acordemente a la realidad española. Sus bases quedan perfectamente sentadas en la frase: "Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada". Pero aún así defiende una transformación grotesca conforme a unas reglas que aporten a sus obras belleza, perfección y que realmente transmitan el mensaje, asi como las matemáticas aporta perfección a las formas deformes.
Valle- Inclán innova una nueva forma alternativa de representación en la que ya no vale la típica denuncia de la decadencia española, sino que se le suma una nueva manera que aporta originalidad e incluso rotundidad, una llamada de atención.
El esperpento podría ser algo así como las hipérboles, figuras retóricas utilizadas para la exageración de una idea, un aspecto, con la finalidad de atraer la atención del lector sobre un punto en concreto, haciéndolo consciente y partícipe de la crítica. Pues el esperpento sería algo parecido a la hipérbole, pero aplicada al conjunto de una obra, una obra formada por continuas hipérboles como "me quito el cráneo"
Se trata de una forma más divertida, y por lo tanto más didáctica, no tan negativa, que a través del humor y la risa provocada por las situaciones inverosímiles hacen calar mejor el mensaje y nos haga ser más propensos a aceptar la verdadera realidad. El autor era bien consciente que la realidad decadente pura y dura solo provocaría sentimientos de desazón y pesimismo, actitudes en nada colaboradoras con la búsqueda de soluciones para una sociedad que en aquella época necesitaba poco menos que un milagro para salir a flote.
Las ideas del fragmento de este esperpento se pueden organizar de la siguiente manera:
Primera parte, desde la primera intervención de Max hasta la segunda de Don Latino: Alusión a Don Latino como a un buey, con un posterior enfrentamiento al Buey Apis. Don Latino se escandaliza y Max deriva la conversación al "inventor del esperpento", Goya.
Segunda parte desde la intervención de Don Latino a la penúltima de Don Latino: Max da una explicación de lo que se entiende por esperpento. Don Latino se admira ante la inteligencia de su compañero.
Tercera parte, desde la penúltima intervención de Don Latino al final: Max propone la "conversión" de ambos al esperpento, mudándose para ello al callejón del Gato, a lo que Don Latino acepta.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser la única opción representativa de la realidad española, la deformada, el esperpento.
Max parodia con su amigo Don Latino que este se ha convertido en buey y que debe de enfrentarse al buey Apis con su mugido. Cuando Don Latino se asusta, Max introduce el esperpento, "producto" de Goya, en el que los típicos personajes planos son deformados para poder representar su realidad.
Max le da a su amigo una perfecta explicación del esperpento, que deja profundamente impresionado a Don Latino, provocando la mudanza de los dos personajes al callejón del Gato para unirse ellos también al fenómeno del esperpento.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la obra teatral "Luces de Bohemia" de Valle-Inclán, obra con la que estrena su género del esperpento.
Max comienza el diálogo con una metáfora en la que llama buey a su amigo, buey del pesebre belenita que con su mugido ha de enfrentarse al buey "supremo" Apis. Esta métafora podría tener una significación, su amigo Don Latino sería un buey del pesebre belenita, un pesebre que estaba caracterizado por la humildad, la sobriedad, por ser uno más, sin nada en especial. Esto tendría una correspondencia con cualquier ciudadano de a pie, que con su "mugido", con su voz, su voto y su denuncia debería enfrentarse al gran Buey Apis, procedente de la mitología egipcia, que representaba al sol, a lo supremo. Asimismo, el Buey Apis era la revista para la que trabajaba Max que quizá defendía una ideología a la que Max quería contraponerse, y seguramente tratara de esconder la realidad española que tanto se afanó Valle- Inclán en denunciar. Por ello usaría la expresión "lo torearemos".
Para su acusación a esta sociedad española hace uso del esperpento, un nuevo subgénero teatral que creó el autor del texto para representar acordemente a la realidad española. Sus bases quedan perfectamente sentadas en la frase: "Los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento. El sentido trágico de la vida española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada". Pero aún así defiende una transformación grotesca conforme a unas reglas que aporten a sus obras belleza, perfección y que realmente transmitan el mensaje, asi como las matemáticas aporta perfección a las formas deformes.
Valle- Inclán innova una nueva forma alternativa de representación en la que ya no vale la típica denuncia de la decadencia española, sino que se le suma una nueva manera que aporta originalidad e incluso rotundidad, una llamada de atención.
El esperpento podría ser algo así como las hipérboles, figuras retóricas utilizadas para la exageración de una idea, un aspecto, con la finalidad de atraer la atención del lector sobre un punto en concreto, haciéndolo consciente y partícipe de la crítica. Pues el esperpento sería algo parecido a la hipérbole, pero aplicada al conjunto de una obra, una obra formada por continuas hipérboles como "me quito el cráneo"
Se trata de una forma más divertida, y por lo tanto más didáctica, no tan negativa, que a través del humor y la risa provocada por las situaciones inverosímiles hacen calar mejor el mensaje y nos haga ser más propensos a aceptar la verdadera realidad. El autor era bien consciente que la realidad decadente pura y dura solo provocaría sentimientos de desazón y pesimismo, actitudes en nada colaboradoras con la búsqueda de soluciones para una sociedad que en aquella época necesitaba poco menos que un milagro para salir a flote.
El túnel- Ernesto Sábato
1. Organización de las ideas del texto:
Este texto se puede dividir según sus ideas en :
Una primera parte desde la línea 1 a la línea 10: Se relatan los pensamientos del protagonista con una predicción de lo que va a ocurrir más tarde, la rotura de un amor que acabará en muerte. El protagonista rememora numerosos recuerdos con María, entre los que la imagina de niña.
En una segunda parte desde la línea 10 a la línea 19: El protagonista sigue con el hilo de sus pensamientos en los que deforma la realidad, imaginando la burla por parte de su amada e incluso creando la determinación de un destino ya escrito en el que sus caminos no se cruzaban.
En la última parte desde la línea 20 a la línea 24: Mientras va cayendo la tarde el protagonista escucha la voz de María, que lo lleva a un estado de ensueño en los que se plantea hasta los extremos a los que podrían llegar sus actos.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser el envenenamiento de un desengaño amoroso.
El protagonista espera un suceso que ya adelanta, el final de su amor que desembocará en muerte. Mientras, se pierde en sus pensamientos en los que recrea a María, imaginándola en su infancia e incluso recuperando recuerdos de sí mismo, absorto, observando la nieve caer. Se iban intercalando con pensamientos negativos en los que imaginaba a María con su amante burlándose de él, y en ese momento, cae en la cuenta de que María y él pertenecen a mundos totalmente distintos, no estaban hechos el uno para el otro como el había creído. El resultado de ese desencanto fue el nacimiento de una macabra idea que iba tomando forma poco a poco, impulsada por la voz de María que escuchaba a lo lejos.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la novela El Túnel, de Ernesto Sábato,al lugar de la historia en el que el protagonista se encuentra esperando afuera de la casa donde se encuentra la mujer de la que está enamorado, María, con su amante. Mientras espera y reflexiona se va apoderando de él la desesperación de que de alguna forma María no corresponde a su mundo ni a sus sentimientos, sintiéndose engañado y carcomido por los celos y la rabia que van deformando sus pensamientos hasta que toma la decisión de acabar con la vida de María.
Este texto se puede dividir según sus ideas en :
Una primera parte desde la línea 1 a la línea 10: Se relatan los pensamientos del protagonista con una predicción de lo que va a ocurrir más tarde, la rotura de un amor que acabará en muerte. El protagonista rememora numerosos recuerdos con María, entre los que la imagina de niña.
En una segunda parte desde la línea 10 a la línea 19: El protagonista sigue con el hilo de sus pensamientos en los que deforma la realidad, imaginando la burla por parte de su amada e incluso creando la determinación de un destino ya escrito en el que sus caminos no se cruzaban.
En la última parte desde la línea 20 a la línea 24: Mientras va cayendo la tarde el protagonista escucha la voz de María, que lo lleva a un estado de ensueño en los que se plantea hasta los extremos a los que podrían llegar sus actos.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser el envenenamiento de un desengaño amoroso.
El protagonista espera un suceso que ya adelanta, el final de su amor que desembocará en muerte. Mientras, se pierde en sus pensamientos en los que recrea a María, imaginándola en su infancia e incluso recuperando recuerdos de sí mismo, absorto, observando la nieve caer. Se iban intercalando con pensamientos negativos en los que imaginaba a María con su amante burlándose de él, y en ese momento, cae en la cuenta de que María y él pertenecen a mundos totalmente distintos, no estaban hechos el uno para el otro como el había creído. El resultado de ese desencanto fue el nacimiento de una macabra idea que iba tomando forma poco a poco, impulsada por la voz de María que escuchaba a lo lejos.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la novela El Túnel, de Ernesto Sábato,al lugar de la historia en el que el protagonista se encuentra esperando afuera de la casa donde se encuentra la mujer de la que está enamorado, María, con su amante. Mientras espera y reflexiona se va apoderando de él la desesperación de que de alguna forma María no corresponde a su mundo ni a sus sentimientos, sintiéndose engañado y carcomido por los celos y la rabia que van deformando sus pensamientos hasta que toma la decisión de acabar con la vida de María.
Siguiendo la línea que marcan los pensamientos del
protagonista, se ve como al principio, dedica pensamientos enteros a momentos
felices con María, que van endulzando su figura hasta llegar incluso a
imaginársela de niña, conduciendo un caballo, con la melena al viento, con una
especie de connotación de libertad, quizá para ella, que vive en una situación
que no la hace completamente feliz, o quizá para él, que sueña con ser capaz de
amarla libremente, sin ningún tipo de oposición. En el desarrollo de su pensamiento
llega hasta una conclusión en la que se hace consciente de lo diferentes que
son María y él. Él pertenece a un mundo que a ella le está totalmente negado,
el mundo de la soledad. Es un ser solitario que comprende haberse enamorado de
una mujer que no ha entrado nunca en el “oscuro túnel” de la soledad, y por lo
que le es imposible sentir una mínima empatía por él, de alguna manera, él
nunca se sentiría completamente amado. Utiliza un juego de imágenes al aportar
que ella “simplemente se había asomado a una de sus ventanas”, que transportan
a la imagen de María descubriendo el cuadro del pintor en el que una mujer
observaba el mar a través de una ventana. Un cuadro con el que había empezado
toda la trama, y que se adivina, por la sensibilidad que demuestra María hacia
él, que realmente es un símbolo de libertad para una mujer que carece de ella.
Juegan un papel muy importante a partir de ahora los celos. Los celos
provocados por la sensación de no poder amarse mutuamente con María, mientras
que hay otro hombre que sí tiene ese privilegio. Estos celos se adueñan de su
pensamiento, eclipsando a todos aquellos que le había dedicado con amor a
María, llenos de felicidad y gratitud, y siendo ahora sustituidos por
pensamientos enfermos y oscuros que le inducen a matarla, en actitud “o conmigo
o con nadie”. Empresa que más tarde llevará a cabo.
Se transparenta aquí una actitud de persona enferma, de
celos. Porque los celos son una enfermedad mental, de aquellas personas que
creen erróneamente que las personas a las que aman son una propiedad, y que les
deben amor y fidelidad de por vida. Enfermos cerrados a la realidad de que las
personas son totalmente libres, que no pertenecen a nadie, y que disponen de
total autonomía para amar y “desamar”, que el amor no es un contrato que se
firme de por vida, y que tal y como empieza, acaba, con la peculiaridad de que
por muy profundo que haya sido nunca suelen quedar vestigios, incluso siendo
sustituido rápidamente. Los celos son capaces de transformar en “amor”, lo que
realmente es posesión, hasta el punto de hacer creer a su dueño estar en el
privilegio de poder decidir sobre la vida de la otra persona. En menos de lo
que canta un gallo todas aquellas sensaciones positivas que le quedaban al
protagonista del amor de María, se transformaron en rencor, llevándole por el
camino de los cobardes, el camino más fácil que le haría liberarse de la carga
que sería soportar imaginarla con otro que no fuera él, acabar con su vida.
¿Realmente había sentido alguna vez amor por ella?.
sábado, 26 de mayo de 2012
Concha Caballero- ¿Crisis o estafa?
1. Organización de las ideas del texto:
Las ideas del texto se pueden estructurar de la siguiente manera:
Primera parte (Línea 1-línea 11): La autora comienza haciendo una crítica al gobierno del PP mediante la metáfora del café. Resalta sus acciones degradantes en el sector público, en el sanitario, en el social con vistas a un provecho desde el sector empresarial.
Segunda parte (Línea 12- línea 54 ): Se centra en el tema de las universidades, donde defiende que los recortes que se están llevando a cabo solo aventajan a los estudiantes de las clases altas, eliminan oportunidades, y sablan a un sector que representaría la cultura y una posible salida a la crisis.
En la tercera parte (Línea 54 al final): Se recoge la idea principal de la autora en la que lanza una sólida defensa de las universidades como progreso y salida a la crisis.
Este artículo de opinión posee una estructura inductiva, ya que Concha Caballero va desarrollando sus argumentos y opiniones a lo largo del texto para concluir con la idea principal en defensa de las oportunidades de la enseñanza universitaria como solución a los problemas del país.
2. Resumen y tema :
El tema podría ser la defensa de la educación como salida a la situación de crisis.
En este artículo Concha Caballero resalta su indignación por las medidas de ajustes y recortes que está tomando el gobierno, considerándolas de elitistas y de menosprecio hacia aquellos sectores que componen el estado de bienestar: sanidad, educación, los servicios públicos
Centra su crítica especialmente en la enseñanza universitaria, considera insultante que tomen medidas contra aquello que representa la formación, la investigación y el desarrollo de miles de talentos, cerrando las puertas a miles de personas que no entren en el rankig de las clases acomodadas.
3. Comentario crítico:
Este es un articulo de opinión firmado por la autora Concha Caballero y publicado en el periódico nacional, El País.
En este artículo la autora expone su opinión ante las medidas de recortes que está adoptando el PP, tras la que se descubre una política de derechas favorecedora de clases altas y sector empresarial que la autora rechaza totalmente.
Su reproche gira sobretodo en torno a las medidas adoptadas hacia la universidad, con el aumento de las tasas universitarias y los recortes a las becas, que solo provocarán el impedimento de alcanzar este nivel de estudios a las personas de estamentos medio y bajo.
Utiliza la metáfora del café, una palabra clave por la coincidencia de haber sido utilizada varias veces en recientes declaraciones de políticos del gobierno, relacionadas siempre con medidas de ajuste.
Manifiesta su desaprobación a las declaraciones del secretario de Administraciones Públicas, Antonio Beteta, en la que reducía el trabajo de todo el conjunto de funcionarios públicos a leer el periódico y tomar café. Si bien, no es totalmente cierto, hay una parte de verdad en la que, como siempre, destaca el abuso, destacan una serie de puestos de trabajo, y enchufismo, que no tienen mucho más que coger el teléfono y poco más, cobrando al mes lo que cobraría una persona que llevaría a cabo el triple del trabajo, al igual que en en el copago de la sanidad, una de las ventajas que se tendrán será la eliminación del abuso, que minimizado a este sector, caracteriza a todo el sector público, el abuso de cierto número de personas que siempre están ahí, aprovechando los sistemas públicos, que solo dan un completo rendimiento con un moderado equilibrio. No es la mejor forma de denunciar esto ni solucionarlo a través de la generalización, pero sí existe, al igual que existen otras maneras de erradicarlo.
El tema de los sablazos y el menosprecio hacia la enseñanza superior está muy en boga actualmente, ensalzando la política de derechas que tan bien resume la frase de la autora: imponer frente al democrático café el selecto té de las cinco. Lo único que se va a sacar en claro de estas medidas va a ser la promoción de la incultura y el cierre de oportunidades a un gran número de personas, e incluso, como lo que defiende la autora, de proyectos, investigaciones que podrían suponer la solución a nuestros problemas.
Que la situación es delicada y extrema, sí. Pero hay ciertas cosas que no se deben de tocar bajo ningún concepto, habiendo otras alternativas. Y la enseñanza es uno de ellos.
Me quedo con la idea principal de la autora, aboliendo la jerarquía de clases y apostando por una enseñanza de calidad e igualitaria para todos.
Las ideas del texto se pueden estructurar de la siguiente manera:
Primera parte (Línea 1-línea 11): La autora comienza haciendo una crítica al gobierno del PP mediante la metáfora del café. Resalta sus acciones degradantes en el sector público, en el sanitario, en el social con vistas a un provecho desde el sector empresarial.
Segunda parte (Línea 12- línea 54 ): Se centra en el tema de las universidades, donde defiende que los recortes que se están llevando a cabo solo aventajan a los estudiantes de las clases altas, eliminan oportunidades, y sablan a un sector que representaría la cultura y una posible salida a la crisis.
En la tercera parte (Línea 54 al final): Se recoge la idea principal de la autora en la que lanza una sólida defensa de las universidades como progreso y salida a la crisis.
Este artículo de opinión posee una estructura inductiva, ya que Concha Caballero va desarrollando sus argumentos y opiniones a lo largo del texto para concluir con la idea principal en defensa de las oportunidades de la enseñanza universitaria como solución a los problemas del país.
2. Resumen y tema :
El tema podría ser la defensa de la educación como salida a la situación de crisis.
En este artículo Concha Caballero resalta su indignación por las medidas de ajustes y recortes que está tomando el gobierno, considerándolas de elitistas y de menosprecio hacia aquellos sectores que componen el estado de bienestar: sanidad, educación, los servicios públicos
Centra su crítica especialmente en la enseñanza universitaria, considera insultante que tomen medidas contra aquello que representa la formación, la investigación y el desarrollo de miles de talentos, cerrando las puertas a miles de personas que no entren en el rankig de las clases acomodadas.
3. Comentario crítico:
Este es un articulo de opinión firmado por la autora Concha Caballero y publicado en el periódico nacional, El País.
En este artículo la autora expone su opinión ante las medidas de recortes que está adoptando el PP, tras la que se descubre una política de derechas favorecedora de clases altas y sector empresarial que la autora rechaza totalmente.
Su reproche gira sobretodo en torno a las medidas adoptadas hacia la universidad, con el aumento de las tasas universitarias y los recortes a las becas, que solo provocarán el impedimento de alcanzar este nivel de estudios a las personas de estamentos medio y bajo.
Utiliza la metáfora del café, una palabra clave por la coincidencia de haber sido utilizada varias veces en recientes declaraciones de políticos del gobierno, relacionadas siempre con medidas de ajuste.
Manifiesta su desaprobación a las declaraciones del secretario de Administraciones Públicas, Antonio Beteta, en la que reducía el trabajo de todo el conjunto de funcionarios públicos a leer el periódico y tomar café. Si bien, no es totalmente cierto, hay una parte de verdad en la que, como siempre, destaca el abuso, destacan una serie de puestos de trabajo, y enchufismo, que no tienen mucho más que coger el teléfono y poco más, cobrando al mes lo que cobraría una persona que llevaría a cabo el triple del trabajo, al igual que en en el copago de la sanidad, una de las ventajas que se tendrán será la eliminación del abuso, que minimizado a este sector, caracteriza a todo el sector público, el abuso de cierto número de personas que siempre están ahí, aprovechando los sistemas públicos, que solo dan un completo rendimiento con un moderado equilibrio. No es la mejor forma de denunciar esto ni solucionarlo a través de la generalización, pero sí existe, al igual que existen otras maneras de erradicarlo.
El tema de los sablazos y el menosprecio hacia la enseñanza superior está muy en boga actualmente, ensalzando la política de derechas que tan bien resume la frase de la autora: imponer frente al democrático café el selecto té de las cinco. Lo único que se va a sacar en claro de estas medidas va a ser la promoción de la incultura y el cierre de oportunidades a un gran número de personas, e incluso, como lo que defiende la autora, de proyectos, investigaciones que podrían suponer la solución a nuestros problemas.
Que la situación es delicada y extrema, sí. Pero hay ciertas cosas que no se deben de tocar bajo ningún concepto, habiendo otras alternativas. Y la enseñanza es uno de ellos.
Me quedo con la idea principal de la autora, aboliendo la jerarquía de clases y apostando por una enseñanza de calidad e igualitaria para todos.
martes, 8 de mayo de 2012
Julio Cortázar- Capítulo VII
1. Organización de las ideas del texto:
Las ideas del texto se pueden estructurar en las siguientes partes:
Una primera parte (Primera línea a la línea 5): En esta primera parte el autor describe las sensaciones que le aporta una larga caricia que dedica a la boca de su amada.
En una segunda parte (Línea 6 - línea 13): Se describe una especie de batalla cariñosa entre los dos amantes en las que entran en juego los besos, los muerdos, las caricias y las miradas.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser la expresión del amor a través del contacto físico.
El autor se deleita en una caricia hacia su amada, en la que recorre su boca, y a la misma vez lo van asediando pensamientos de amor y plenitud hacia ella, también acompañados de sentimientos de satisfacción por la elección de su amor y de complementariedad entre ambas partes.
Entra en juego más tarde el contacto visual entre los dos al que siguen un repertorio de besos y muestras de cariño que llenan al autor de sentimientos y sensaciones.
3. Comentario crítico:
Este capítulo pertenece a la obra "Rayuela" de Julio Cortázar, una de sus obras más controvertidas y representativas de un pseudosurrealismo de la época.
Principalmente es un fragmento rico en descripción, que transmiten multitud de sensaciones al lector y que se caracteriza principalmente por contener una gran sensualidad.
Las sensaciones, los detalles, son tratados por al autor con una total delicadeza, que transmite la fragilidad y la belleza de sus recuerdos, más concretamente del recuerdo de ese momento de profundo amor.
Comienza tanteando los terrenos de su amor con un acto tan sencillo e infantil como el recorrido con un dedo a través de una caricia sobre la piel, dibujando como dibujaría un niño que acaba de descubrir que puede tocar, más aún que puede captar información a través del tacto, pero lo que es aún más importante, que le gusta. Mientras él explora las comisuras de los labios de ella, al cerrar los ojos le asaltan miles de pensamientos y sentimientos dedicados enteramente a la persona que tiene ante él. Unos pensamientos que le aportan seguridad, satisfacción de la elección de su amor; porque ella ha sido deseada, deseada y elegida, por un extraño azar al que no quiere analizar pero que ha sido el causante de la química y la reacción entre dos vidas ajenas que han quedado unidas a través de un sentimiento. El autor parecía haber guardado un espacio en su vida que ella llena y desborda plenamente. Y llegados a este punto parece abrir los ojos y darse cuenta de su sonrisa, que por algún azar que puede que tampoco llegue nunca a comprender parece haber contactado con sus pensamientos para responderle con un gesto que delata felicidad, o alegría, bienestar.
La manera tan suave, frágil y amorosa con que trata su sonrisa puede llevarnos a los conocidos versos de Miguel Hernández, situados en la misma línea: "Es tu risa en los ojos la luz del mundo".
También esta sonrisa parece provocar en el poeta una luz interior que ilumina hasta el último de sus rincones con curiosidad.
Pero a este contacto tan profundo le faltaba aquello que lo haría íntimo; la mirada, el contacto visual, aunar la comunicación táctil con la comunicación visual a la que el mismo poeta une la subjetividad de olores, de sabores que todo el contacto le provoca. Se establece entre ambos una comunicación no verbal con la que transmiten tal cantidad de sensaciones que las vulgares palabras están de sobra.
El posar su mirada sobre los ojos de ella le ha producido inestabilidad, aumentando el ritmo de su respiración que ahora se adivina profunda y entrecortada, haciendo brotar un sencillo beso en respuesta a todo un mundo.
Y ahora el capricho de su indagación sigue, otra vez a través del sentido del tacto, explorando su pelo, enredando la yema de sus dedos en ellos mientras la sigue besando.
Su estado de amor se delata hasta afirmar que todo dolor que pueda sentir procediendo de ella, es dulce, no puede herirlo, al igual que la dulzura de sus besos, que afirma, le evocan al sabor de la fruta madura, una fruta extremadamente azucarada... pero ¿a qué saben los besos? Los besos no saben, pero sí saben. Los besos saben a fresa, a vida, a nubes, a confusión, a rutina, a locura, a café, los besos saben a todos aquellos retos que nuestras papilas estén dispuestas a aceptar. Y entonces siente temblar su cuerpo sobre el suyo, tal y como tiembla el reflejo de la luna en la superficie del agua cuando esta se ve quebrantada.
Las ideas del texto se pueden estructurar en las siguientes partes:
Una primera parte (Primera línea a la línea 5): En esta primera parte el autor describe las sensaciones que le aporta una larga caricia que dedica a la boca de su amada.
En una segunda parte (Línea 6 - línea 13): Se describe una especie de batalla cariñosa entre los dos amantes en las que entran en juego los besos, los muerdos, las caricias y las miradas.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser la expresión del amor a través del contacto físico.
El autor se deleita en una caricia hacia su amada, en la que recorre su boca, y a la misma vez lo van asediando pensamientos de amor y plenitud hacia ella, también acompañados de sentimientos de satisfacción por la elección de su amor y de complementariedad entre ambas partes.
Entra en juego más tarde el contacto visual entre los dos al que siguen un repertorio de besos y muestras de cariño que llenan al autor de sentimientos y sensaciones.
3. Comentario crítico:
Este capítulo pertenece a la obra "Rayuela" de Julio Cortázar, una de sus obras más controvertidas y representativas de un pseudosurrealismo de la época.
Principalmente es un fragmento rico en descripción, que transmiten multitud de sensaciones al lector y que se caracteriza principalmente por contener una gran sensualidad.
Las sensaciones, los detalles, son tratados por al autor con una total delicadeza, que transmite la fragilidad y la belleza de sus recuerdos, más concretamente del recuerdo de ese momento de profundo amor.
Comienza tanteando los terrenos de su amor con un acto tan sencillo e infantil como el recorrido con un dedo a través de una caricia sobre la piel, dibujando como dibujaría un niño que acaba de descubrir que puede tocar, más aún que puede captar información a través del tacto, pero lo que es aún más importante, que le gusta. Mientras él explora las comisuras de los labios de ella, al cerrar los ojos le asaltan miles de pensamientos y sentimientos dedicados enteramente a la persona que tiene ante él. Unos pensamientos que le aportan seguridad, satisfacción de la elección de su amor; porque ella ha sido deseada, deseada y elegida, por un extraño azar al que no quiere analizar pero que ha sido el causante de la química y la reacción entre dos vidas ajenas que han quedado unidas a través de un sentimiento. El autor parecía haber guardado un espacio en su vida que ella llena y desborda plenamente. Y llegados a este punto parece abrir los ojos y darse cuenta de su sonrisa, que por algún azar que puede que tampoco llegue nunca a comprender parece haber contactado con sus pensamientos para responderle con un gesto que delata felicidad, o alegría, bienestar.
La manera tan suave, frágil y amorosa con que trata su sonrisa puede llevarnos a los conocidos versos de Miguel Hernández, situados en la misma línea: "Es tu risa en los ojos la luz del mundo".
También esta sonrisa parece provocar en el poeta una luz interior que ilumina hasta el último de sus rincones con curiosidad.
Pero a este contacto tan profundo le faltaba aquello que lo haría íntimo; la mirada, el contacto visual, aunar la comunicación táctil con la comunicación visual a la que el mismo poeta une la subjetividad de olores, de sabores que todo el contacto le provoca. Se establece entre ambos una comunicación no verbal con la que transmiten tal cantidad de sensaciones que las vulgares palabras están de sobra.
El posar su mirada sobre los ojos de ella le ha producido inestabilidad, aumentando el ritmo de su respiración que ahora se adivina profunda y entrecortada, haciendo brotar un sencillo beso en respuesta a todo un mundo.
Y ahora el capricho de su indagación sigue, otra vez a través del sentido del tacto, explorando su pelo, enredando la yema de sus dedos en ellos mientras la sigue besando.
Su estado de amor se delata hasta afirmar que todo dolor que pueda sentir procediendo de ella, es dulce, no puede herirlo, al igual que la dulzura de sus besos, que afirma, le evocan al sabor de la fruta madura, una fruta extremadamente azucarada... pero ¿a qué saben los besos? Los besos no saben, pero sí saben. Los besos saben a fresa, a vida, a nubes, a confusión, a rutina, a locura, a café, los besos saben a todos aquellos retos que nuestras papilas estén dispuestas a aceptar. Y entonces siente temblar su cuerpo sobre el suyo, tal y como tiembla el reflejo de la luna en la superficie del agua cuando esta se ve quebrantada.
El amor en los tiempos del cólera- Gabriel García Márquez
1. Organización de las ideas del texto:
Este fragmento de García Márquez se puede estructurar en las siguientes partes:
En una primera parte (Línea 1-9): La pareja de recién casados se encuentra en los preliminares para llevar a cabo el amor de pareja, a lo que ella declara ser la primera vez que se acuesta con un hombre.
En una segunda parte (Línea 10- 81): La pereja se encuentra reconociéndose el uno al otro, más la mujer, que no tiene ninguna experiencia, que se encuentra sumisa a él, miedosa y curiosa por todo aquello que para ella es nuevo.
En una tercera parte (Línea 82-85 ): Se introducen los pensamientos del hombre, en los que se demuestra que él realmente no la ama, sino que todo aquello era producto de un contacto, el por ser hombre y ella por ser su mujer.
En la cuarta parte (Línea 86 al final): La historia continúa con su curso, se cuenta como ella escapa virgen a esa noche y prosiguen normalmente su viaje. Es esa misma noche cuando ella toma la iniciativa y pierde su virginidad. A los pocos días del viaje, más concretamente en La Rochelle se conocen de manera sexual totalmente.
2.Resumen y tema:
El tema podría ser el matrimonio de conveniencia.
Una pareja de recién casados prepara su primer encuentro sexual al que debían esperar hasta después de su boda, más marcadamente la mujer que el hombre, ya que este contaba con experiencia. El hombre respetó la inexperiencia de la mujer tratándola con tacto y delicadeza, aunque no consiguió nada definitivo aquella noche. Hubo de esperar a la siguiente noche en la que la mujer se decidió a perder su virginidad, y tras el transcurso de unos pocos días los dos recién casados se conocían físicamente el uno al otro como si llevaran juntos desde siempre.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la obra "El amor en los tiempos del cólera", del autor Gabriel García Márquez.
En esta narración podemos observar como ha cambiado en la sociedad (en nuestra sociedad) el papel de los matrimonios, de la religiosidad e incluso del papel en la mujer de la sociedad.
En este texto se presenta una gran desigualdad entre hombre y mujer, se presenta a una mujer limitada por la moral católica, una mujer que no poseía ningún tipo de libertad sobre su cuerpo ni sobre sus decisiones, una mujer sumisa y supeditada al hombre, incluso en uno de los ámbitos más importantes de la vida y de la cultura, el sexo. Y si esto ocurría en la vida privada, no podía ser menos en la vida pública.
Se percibe una mujer insegura de sus propios actos, receptiva ante todo a los deseos del hombre, para la que es vergonzoso incluso tomar la iniciativa y expresar sus propios deseos. Este prototipo de mujer era poco más que un objeto en una sociedad machista que lo utilizaba a su antojo.
También es muy importante la sutil hipocresía que se desprende en el texto. Al comienzo de la acción de la narración se describe el comportamiento del hombre hacia su esposa a la que trata de una manera tan delicada, cuidadosa y cariñosa que hacen pensar al lector que realmente la ama. En el momento en que se desvela que realmente él no la ama, y que solo ha sido un matrimonio de conveniencia, todo el ambiente anterior se derrumba para quedar la sensación de un engaño, de un "amor procreado", porque sí, porque socialmente ha de estar ahí, pero que no conlleva ningún verdadero sentimiento o ningún tipo de pasión que caracterizaría a un verdadero amor. Sus caricias, sus besos y su cariño son "huérfanos".
Al final del fragmento, el autor afirma que el matrimonio en tan solo unos pocos días se había acomodado, amoldado y acostumbrado tanto el uno al otro que pareciera que llevaban toda una vida juntos. Esto podría dejar entrever un cierto hastío, cierto aburrimiento, que caracteriza a muchos matrimonios que no han sabido
transformar junto con ellos su amor y lo han ido perdiendo en el camino, hasta llegar a un momento rutinario, un punto sin nuevas expectativas, un amor viciado, que como toda relación necesita una bocanada de aire fresco de vez en cuando. El autor en un pequeño texto nos ha ido retransmitiendo sensaciones tales como la concertación del matrimonio, el vacío de sentimientos de la pareja, la representación de una especie de teatro y un halo de rutina a los pocos días que no parecen premeditar nada bueno a lo largo de la historia.
Este fragmento de García Márquez se puede estructurar en las siguientes partes:
En una primera parte (Línea 1-9): La pareja de recién casados se encuentra en los preliminares para llevar a cabo el amor de pareja, a lo que ella declara ser la primera vez que se acuesta con un hombre.
En una segunda parte (Línea 10- 81): La pereja se encuentra reconociéndose el uno al otro, más la mujer, que no tiene ninguna experiencia, que se encuentra sumisa a él, miedosa y curiosa por todo aquello que para ella es nuevo.
En una tercera parte (Línea 82-85 ): Se introducen los pensamientos del hombre, en los que se demuestra que él realmente no la ama, sino que todo aquello era producto de un contacto, el por ser hombre y ella por ser su mujer.
En la cuarta parte (Línea 86 al final): La historia continúa con su curso, se cuenta como ella escapa virgen a esa noche y prosiguen normalmente su viaje. Es esa misma noche cuando ella toma la iniciativa y pierde su virginidad. A los pocos días del viaje, más concretamente en La Rochelle se conocen de manera sexual totalmente.
2.Resumen y tema:
El tema podría ser el matrimonio de conveniencia.
Una pareja de recién casados prepara su primer encuentro sexual al que debían esperar hasta después de su boda, más marcadamente la mujer que el hombre, ya que este contaba con experiencia. El hombre respetó la inexperiencia de la mujer tratándola con tacto y delicadeza, aunque no consiguió nada definitivo aquella noche. Hubo de esperar a la siguiente noche en la que la mujer se decidió a perder su virginidad, y tras el transcurso de unos pocos días los dos recién casados se conocían físicamente el uno al otro como si llevaran juntos desde siempre.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la obra "El amor en los tiempos del cólera", del autor Gabriel García Márquez.
En esta narración podemos observar como ha cambiado en la sociedad (en nuestra sociedad) el papel de los matrimonios, de la religiosidad e incluso del papel en la mujer de la sociedad.
En este texto se presenta una gran desigualdad entre hombre y mujer, se presenta a una mujer limitada por la moral católica, una mujer que no poseía ningún tipo de libertad sobre su cuerpo ni sobre sus decisiones, una mujer sumisa y supeditada al hombre, incluso en uno de los ámbitos más importantes de la vida y de la cultura, el sexo. Y si esto ocurría en la vida privada, no podía ser menos en la vida pública.
Se percibe una mujer insegura de sus propios actos, receptiva ante todo a los deseos del hombre, para la que es vergonzoso incluso tomar la iniciativa y expresar sus propios deseos. Este prototipo de mujer era poco más que un objeto en una sociedad machista que lo utilizaba a su antojo.
También es muy importante la sutil hipocresía que se desprende en el texto. Al comienzo de la acción de la narración se describe el comportamiento del hombre hacia su esposa a la que trata de una manera tan delicada, cuidadosa y cariñosa que hacen pensar al lector que realmente la ama. En el momento en que se desvela que realmente él no la ama, y que solo ha sido un matrimonio de conveniencia, todo el ambiente anterior se derrumba para quedar la sensación de un engaño, de un "amor procreado", porque sí, porque socialmente ha de estar ahí, pero que no conlleva ningún verdadero sentimiento o ningún tipo de pasión que caracterizaría a un verdadero amor. Sus caricias, sus besos y su cariño son "huérfanos".
Al final del fragmento, el autor afirma que el matrimonio en tan solo unos pocos días se había acomodado, amoldado y acostumbrado tanto el uno al otro que pareciera que llevaban toda una vida juntos. Esto podría dejar entrever un cierto hastío, cierto aburrimiento, que caracteriza a muchos matrimonios que no han sabido
transformar junto con ellos su amor y lo han ido perdiendo en el camino, hasta llegar a un momento rutinario, un punto sin nuevas expectativas, un amor viciado, que como toda relación necesita una bocanada de aire fresco de vez en cuando. El autor en un pequeño texto nos ha ido retransmitiendo sensaciones tales como la concertación del matrimonio, el vacío de sentimientos de la pareja, la representación de una especie de teatro y un halo de rutina a los pocos días que no parecen premeditar nada bueno a lo largo de la historia.
domingo, 6 de mayo de 2012
El árbol de la ciencia- Pío Baroja
1. Estructura y organización de las ideas del texto:
Las ideas del texto se pueden estructurar en las siguientes partes:
Primera parte (líneas 1 a la 4): En la primera línea encontramos la idea principal del texto, crítica a la sociedad española de la época y posteriormente una descripción de esos comportamientos sociales.
Segunda parte (líneas 5- 15): Se introduce esta parte con la idea principal que va a exponer el autor.Cuenta la empresa llevada a cabo por el pueblo, en la que cambiaron sus cultivos tradicionales por el de los viñedos, mucho más rentables. Gracias a esto el pueblo pudo evolucionar y modernizarse. Cuando se acabó el tiempo de prosperidad lo aceptaron como si nada, asumiendo la vuelta atrás.
Tercera parte (línea 16- Final): El autor explica el porqué de esta reacción, basándola en la falta de cultura, la falta de comunidad, espíritu de asociación, guiados únicamente por una moral católica, haciendo del pueblo un conglomerado de personas sin ninguna utilidad intelectual.
La estructura podría ser deductiva, ya que la idea principal, la crítica hacia las costumbres españolas se encuentra al principio del texto.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la incultura de la sociedad española de la época.
Alcolea era una representación más de la incultura que asolaba a España.
El pueblo apartó sus cultivos de trigo de toda la vida para dar paso al cultivo de la vid, que era mucho más rentable y aportó muchos recursos al pueblo. Cuando se acabó la época de prosperidad, el pueblo se resignó a volver a su vida de antes. Esta actitud estoica se advenía de la incultura y la falta de asociación que caracterizaba al pueblo. Era un pueblo organizado y dirigido por la moral cristiana,sin ningún tipo de inquietudes, donde los pobres eran pasivamente víctimas de las usuras y corrupciones de sus vecinos ricos. Era un pueblo marcado por la ineptitud y la rutina.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la obra "El árbol de la ciencia" de Pío Baroja. Esta obra es definida por su propio autor como la más filosófica y representativa de él mismo. Concretamente en este fragmento Baroja hace una crítica hacia las atrasadas costumbres españolas basadas en la individualidad, la monotonía, la religión y la conformidad.
Pío Baroja relata los hechos ocurridos en un pueblo "sin historia" y sin ninguna pretensión de escribirla, es un pueblo caracterizado por la falta de inquietudes personales que quizá proceda de la misma falta de cultura que asolaba España en aquella época. No hay ningún atisbo de amor propio en sus miembros, que ni siquiera obligados por la adversidad y la quiebra que estaban sufriendo sacaban a la luz su lado más colectivo para unirse ante la adversidad. Se trata de un pueblo con grandes vacíos únicamente ocupados por la religión y la moral católica que se encargaba de dirigir sus vidas, a lo que ellos correspondían cual fieles corderitos sin ninguna intención de ir más allá.
Impacta la actitud social caracterizada por la falta de curiosidad, la falta de iniciativa, e incluso más marcadamente en el ámbito femenino, que se resignaba a pasar su vida de casa a la Iglesia y de la Iglesia a casa, cerrando un círculo vicioso en el que no cabían los pensamientos, y aunque estos pudiesen caber serían rápidamente apisonados por la fuerza de la rutina y del tradicionalismo social.
Pero mientras el pueblo se entretiene en crear una rutina en su vida marcada por la pasividad, por las faltas de expectativas de cambios o de mejoras, aquellos que pertenecen al escalafón superior se aprovechan de la situación, de la pasividad y la analfabetización para sus bienes propios. El autor nos retrata la sociedad de una España que no hace tantos años era tan real como esta narración, una España decadente, acogedora de todo lo que no tuviera que ver con la cultura y atrasada en todos los sentidos.
El pueblo es retratado como un pueblo sin más luces, que todo lo abandonó por una época de florecimiento con los tratados del vino, dejando a un lado la posibilidad de mejorar el que había sido su trabajo tradicional.
Esta época de esplendor con el negocio de los vinos, tras la que sobrevino una época de crisis en la que todos los campesinos hubieron de volver a sus antiguas tareas puede recordarnos de alguna manera a la situación actual que vivimos con la crisis.
Antes de esta sonada crisis vivíamos en un tiempo de esplendor en el que el trabajo y el dinero brotaban por doquier, y masas y masas de jóvenes cambiaban sus estudios por trabajos que les rentaban más en cuestión de pocos años. Y mientras a los demás estudiantes les quedaban largos y largos años de estudio y sacrificio por delante, la mayoría de estos jóvenes que ingresaron en el mundo laboral tenían ya su "vida resuelta". Y mientras tú estabas con tu esfuerzo en primero de carrera para intentar entrar en el mercado laboral, si tenías suerte, en cinco o seis años, el sector de los abdicadores se encontraba paseando el coche de último modelo por la puerta de tu casa.
Ahora la mayoría de esos jóvenes están en el paro, incluso volviendo a los estudios, y los demás avanzando en los suyos. Que nada es seguro en esta vida está claro, pero que la cultura y el esfuerzo ayudan a tomar otras perspectivas y mayores recursos, también.
Las ideas del texto se pueden estructurar en las siguientes partes:
Primera parte (líneas 1 a la 4): En la primera línea encontramos la idea principal del texto, crítica a la sociedad española de la época y posteriormente una descripción de esos comportamientos sociales.
Segunda parte (líneas 5- 15): Se introduce esta parte con la idea principal que va a exponer el autor.Cuenta la empresa llevada a cabo por el pueblo, en la que cambiaron sus cultivos tradicionales por el de los viñedos, mucho más rentables. Gracias a esto el pueblo pudo evolucionar y modernizarse. Cuando se acabó el tiempo de prosperidad lo aceptaron como si nada, asumiendo la vuelta atrás.
Tercera parte (línea 16- Final): El autor explica el porqué de esta reacción, basándola en la falta de cultura, la falta de comunidad, espíritu de asociación, guiados únicamente por una moral católica, haciendo del pueblo un conglomerado de personas sin ninguna utilidad intelectual.
La estructura podría ser deductiva, ya que la idea principal, la crítica hacia las costumbres españolas se encuentra al principio del texto.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la incultura de la sociedad española de la época.
Alcolea era una representación más de la incultura que asolaba a España.
El pueblo apartó sus cultivos de trigo de toda la vida para dar paso al cultivo de la vid, que era mucho más rentable y aportó muchos recursos al pueblo. Cuando se acabó la época de prosperidad, el pueblo se resignó a volver a su vida de antes. Esta actitud estoica se advenía de la incultura y la falta de asociación que caracterizaba al pueblo. Era un pueblo organizado y dirigido por la moral cristiana,sin ningún tipo de inquietudes, donde los pobres eran pasivamente víctimas de las usuras y corrupciones de sus vecinos ricos. Era un pueblo marcado por la ineptitud y la rutina.
3. Comentario crítico:
Este fragmento pertenece a la obra "El árbol de la ciencia" de Pío Baroja. Esta obra es definida por su propio autor como la más filosófica y representativa de él mismo. Concretamente en este fragmento Baroja hace una crítica hacia las atrasadas costumbres españolas basadas en la individualidad, la monotonía, la religión y la conformidad.
Pío Baroja relata los hechos ocurridos en un pueblo "sin historia" y sin ninguna pretensión de escribirla, es un pueblo caracterizado por la falta de inquietudes personales que quizá proceda de la misma falta de cultura que asolaba España en aquella época. No hay ningún atisbo de amor propio en sus miembros, que ni siquiera obligados por la adversidad y la quiebra que estaban sufriendo sacaban a la luz su lado más colectivo para unirse ante la adversidad. Se trata de un pueblo con grandes vacíos únicamente ocupados por la religión y la moral católica que se encargaba de dirigir sus vidas, a lo que ellos correspondían cual fieles corderitos sin ninguna intención de ir más allá.
Impacta la actitud social caracterizada por la falta de curiosidad, la falta de iniciativa, e incluso más marcadamente en el ámbito femenino, que se resignaba a pasar su vida de casa a la Iglesia y de la Iglesia a casa, cerrando un círculo vicioso en el que no cabían los pensamientos, y aunque estos pudiesen caber serían rápidamente apisonados por la fuerza de la rutina y del tradicionalismo social.
Pero mientras el pueblo se entretiene en crear una rutina en su vida marcada por la pasividad, por las faltas de expectativas de cambios o de mejoras, aquellos que pertenecen al escalafón superior se aprovechan de la situación, de la pasividad y la analfabetización para sus bienes propios. El autor nos retrata la sociedad de una España que no hace tantos años era tan real como esta narración, una España decadente, acogedora de todo lo que no tuviera que ver con la cultura y atrasada en todos los sentidos.
El pueblo es retratado como un pueblo sin más luces, que todo lo abandonó por una época de florecimiento con los tratados del vino, dejando a un lado la posibilidad de mejorar el que había sido su trabajo tradicional.
Esta época de esplendor con el negocio de los vinos, tras la que sobrevino una época de crisis en la que todos los campesinos hubieron de volver a sus antiguas tareas puede recordarnos de alguna manera a la situación actual que vivimos con la crisis.
Antes de esta sonada crisis vivíamos en un tiempo de esplendor en el que el trabajo y el dinero brotaban por doquier, y masas y masas de jóvenes cambiaban sus estudios por trabajos que les rentaban más en cuestión de pocos años. Y mientras a los demás estudiantes les quedaban largos y largos años de estudio y sacrificio por delante, la mayoría de estos jóvenes que ingresaron en el mundo laboral tenían ya su "vida resuelta". Y mientras tú estabas con tu esfuerzo en primero de carrera para intentar entrar en el mercado laboral, si tenías suerte, en cinco o seis años, el sector de los abdicadores se encontraba paseando el coche de último modelo por la puerta de tu casa.
Ahora la mayoría de esos jóvenes están en el paro, incluso volviendo a los estudios, y los demás avanzando en los suyos. Que nada es seguro en esta vida está claro, pero que la cultura y el esfuerzo ayudan a tomar otras perspectivas y mayores recursos, también.
domingo, 29 de abril de 2012
Se querían- Vicente Aleixandre
1. Organización de las ideas del texto:
Las ideas del texto pueden estructurarse de la siguiente manera:
Primera parte (Verso 1- 5): El poeta habla de dos amantes que se ven sorprendidos por el amanecer, y nos sitúa en el espacio y el tiempo en el que se estaban amando.
Segunda parte (Verso 6- 29) : El poeta va describiendo todas las manera en que los dos amantes se van amando.
Tercera parte (Verso 30- 34): Hay una conclusión típica del surrealismo, consistente en una enumeración gradativa hasta llegar a la idea principal.
El poema posee una estructura encuadrada, ya que la idea principal se encuentra tanto al principio como al final.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser al amor entre dos amantes.
Los dos amantes son sorprendidos por la llegada del día, a partir de la cual el poeta comienza a hacer numerosas comparaciones con el amor de los dos amantes. Primero compara su amor con las cosas naturales, sitúa el amor que se había dado en la noche, describiendo el movimiento de los cuerpos, habla de su amor entre el frío, la madrugada, de las caricias de los amantes... hasta la llegada del mediodía, en la que sus rostros van adquiriendo color tras el frío de la noche. Cierra el poema con una enumeración de todas las sensaciones anteriores hasta llegar al amor que hay entre los dos.
Comentario crítico:
Este poema, "Se querían" partenece a Vicente Aleixandre, conocido poeta de la Generación del 27.
El poema pertenece a su época de poesía surrealista, muy influenciada por Sigmund Froid, neurólogo austríaco, padre del psicoanálisis y pionero en la interpretación de los sueños. En este poema se ve la tendencia del surrealismo en Aleixandre, una escritura autómata como producida por un extraño momento guiado por el sueño, y que se aparta de todas las convenciones formales de la poesía y de la época en especial.
El poeta comienza introduciéndonos en lo que va a desarrollar a lo largo de todo el poema, el amor de unos amantes, pero esta vez de manera distinta. Nos sitúa en el comienzo del amanecer, y a través de una metonimia "labios" por "personas, o cuerpos" nos descubre el amor nocturno que ha habido entre la pareja, en un lecho navío, mitad noche, mitad luz, en lo que podría hacer una alusión al día y la noche, al sol y la luna, el sol, con su típico carácter masculino, y la luna con su carácter femenino, que nos llevaría a pensar en un amor entre un hombre y una mujer.
Su amor era como una necesidad entre ellos, como las flores a las espinas, como las flores necesitan la luz del sol para sobrevivir, para nutrirse, erguirse y brillar.
En la siguiente estrofa se describe de una manera brillante los amantes en la noche, el movimiento de los cuerpos que se estiran y se encogen, entremezclados con las caricias y las sensaciones táctiles, como las de suavidad.
Se querían en todo momento, aún en la madrugada, pese al frío, sin importar el lugar, sino solo los besos entre los amantes.
También se querían en el día, donde la "playa que va creciendo" se asemeja a la palma de las manos de uno de los dos amantes, palmas con ondas, al igual que las olas, que van recorriendo en una caricia desde los pies hasta los muslos del otro, llevando su amor hasta más allá de los espacios conocidos "sobre al mar, bajo el cielo".
En las últimas estrofas el poeta comparte las sensaciones de lo que parece ser una mirada entre los amantes "intimidad extensa, soledad de lo vivo, horizontes extremos...", en la que uno de ellos va examinando el rostro del otro que va adquiriendo color por el sol del mediodía.
El poema es concluido con una enumeración caótica de sustantivos y adjetivos que nos reúnen todas las sensaciones anteriores relacionadas con el amor de los amantes y con la reiteración del tema, "se querían, sabedlo", que culmina con una alusión hacia el lector al que implica en este hecho, quizá para que el recuerdo de ese amor no termine ahí y sepa perdurar a través de su poema.
Las ideas del texto pueden estructurarse de la siguiente manera:
Primera parte (Verso 1- 5): El poeta habla de dos amantes que se ven sorprendidos por el amanecer, y nos sitúa en el espacio y el tiempo en el que se estaban amando.
Segunda parte (Verso 6- 29) : El poeta va describiendo todas las manera en que los dos amantes se van amando.
Tercera parte (Verso 30- 34): Hay una conclusión típica del surrealismo, consistente en una enumeración gradativa hasta llegar a la idea principal.
El poema posee una estructura encuadrada, ya que la idea principal se encuentra tanto al principio como al final.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser al amor entre dos amantes.
Los dos amantes son sorprendidos por la llegada del día, a partir de la cual el poeta comienza a hacer numerosas comparaciones con el amor de los dos amantes. Primero compara su amor con las cosas naturales, sitúa el amor que se había dado en la noche, describiendo el movimiento de los cuerpos, habla de su amor entre el frío, la madrugada, de las caricias de los amantes... hasta la llegada del mediodía, en la que sus rostros van adquiriendo color tras el frío de la noche. Cierra el poema con una enumeración de todas las sensaciones anteriores hasta llegar al amor que hay entre los dos.
Comentario crítico:
Este poema, "Se querían" partenece a Vicente Aleixandre, conocido poeta de la Generación del 27.
El poema pertenece a su época de poesía surrealista, muy influenciada por Sigmund Froid, neurólogo austríaco, padre del psicoanálisis y pionero en la interpretación de los sueños. En este poema se ve la tendencia del surrealismo en Aleixandre, una escritura autómata como producida por un extraño momento guiado por el sueño, y que se aparta de todas las convenciones formales de la poesía y de la época en especial.
El poeta comienza introduciéndonos en lo que va a desarrollar a lo largo de todo el poema, el amor de unos amantes, pero esta vez de manera distinta. Nos sitúa en el comienzo del amanecer, y a través de una metonimia "labios" por "personas, o cuerpos" nos descubre el amor nocturno que ha habido entre la pareja, en un lecho navío, mitad noche, mitad luz, en lo que podría hacer una alusión al día y la noche, al sol y la luna, el sol, con su típico carácter masculino, y la luna con su carácter femenino, que nos llevaría a pensar en un amor entre un hombre y una mujer.
Su amor era como una necesidad entre ellos, como las flores a las espinas, como las flores necesitan la luz del sol para sobrevivir, para nutrirse, erguirse y brillar.
En la siguiente estrofa se describe de una manera brillante los amantes en la noche, el movimiento de los cuerpos que se estiran y se encogen, entremezclados con las caricias y las sensaciones táctiles, como las de suavidad.
Se querían en todo momento, aún en la madrugada, pese al frío, sin importar el lugar, sino solo los besos entre los amantes.
También se querían en el día, donde la "playa que va creciendo" se asemeja a la palma de las manos de uno de los dos amantes, palmas con ondas, al igual que las olas, que van recorriendo en una caricia desde los pies hasta los muslos del otro, llevando su amor hasta más allá de los espacios conocidos "sobre al mar, bajo el cielo".
En las últimas estrofas el poeta comparte las sensaciones de lo que parece ser una mirada entre los amantes "intimidad extensa, soledad de lo vivo, horizontes extremos...", en la que uno de ellos va examinando el rostro del otro que va adquiriendo color por el sol del mediodía.
El poema es concluido con una enumeración caótica de sustantivos y adjetivos que nos reúnen todas las sensaciones anteriores relacionadas con el amor de los amantes y con la reiteración del tema, "se querían, sabedlo", que culmina con una alusión hacia el lector al que implica en este hecho, quizá para que el recuerdo de ese amor no termine ahí y sepa perdurar a través de su poema.
sábado, 14 de abril de 2012
Te quiero- Luis Cernuda
1. Organización de las ideas del texto:
Las ideas del texto pueden estructurarse de la siguiente manera:
Primera parte (Verso primero): Luis Cernuda introduce el sentimiento que va a desarrollar a lo largo de todo el poema.
Segunda parte: (Versos 2- 18): Se desarrollan todas aquellas maneras en las que el poeta le ha expresado su amor a otra persona, primero a través de elementos de la naturaleza y por último a través de sus propios sentimientos y sensaciones.
Tercera parte (Verso 19- 23): El poeta se considera insatisfecho, ya que necesita más formas de expresar su amor. Ahora sus instrumentos serán la muerte y el olvido.
El poema posee una estructura deductiva ya que el sentimiento principal que el poeta quiere transmitir, su amor por otra persona, se encuentra al principio del poema.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la comunicación del amor.
Luis Cernuda siente el deseo inevitable de expresar su amor por otra persona en todas las cosas conocidas y que lo rodean. Primero su condición de amor ha sido transmitida a través de la naturaleza: el sol, el agua, las plantas, las nubes... elementos que nos transmiten sensaciones de un amor puro, luminoso, sencillo, inocente. Sigue comunicando a la persona amada su devoción ahora con ayuda de sus propios sentimientos como su tristeza, también su alegría, con ayuda incluso del elemento básico para la comunicación oral, las palabras.
Finalmente el poeta se reafirma de que su amor traspasará incluso las barreras de la naturaleza, superando a la muerte, e incluso las barreras psicológicas, superando al olvido.
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece al reconocido autor de la Generación del 27, Luis Cernuda. El poeta que sin igualación consiguió representar el amor de maneras extraordinarias. Este poema está incluido en su libro Los placeres prohibidos, obra que pertenece a su etapa surrealista.
El surrealismo ha sido desde siempre un controvertido movimiento basado no en las relaciones racionales que se podrían establecer entre los objetos, sino dando un giro hasta lo entonces conocido e innovando na nueva manera de visión, la visión de otra realidad, totalmente subjetiva, escondida en nuestro subconsciente.
La creación de una obra surrealista ha sido definida algunas veces "como si el poeta se encontrara en medio de un sueño y es cuando entonces comenzara a escribir, empujado por una fuerza extraña que no atendiese a la lógica y que lo llevara a una "escritura automática"" . Siguiendo estas pautas el poema de Cernuda parece haber sido escrito durante el transcurso de un sueño que pretende comunicar amor y que trasmite luz, pureza, situándonos en algún espacio de la naturaleza, un sueño que a veces se tinta de colores más oscuros cuando alude a sentimientos más negativos como su tristeza, su hastío, su miedo... Para terminar finalmente con una gran convicción; de que su amor perdurará a todo, pase lo que pase.
Luis Cernuda durante todo su poema se dirige a una persona determinada a la que pretende transmitir a lo largo de su poema todo lo que queda resumido en el primer verso: "Te quiero", pero que la propia limitación del lenguaje impide en esas dos palabras la expresión de todo lo que el poeta está sintiendo.
Comienza utilizando elementos naturales, con ausencia de toda comunicación verbal para transmitir todas las sensaciones de su sentimiento. Con el viento dice habérselo dicho, tanto de una manera suave, pausada, ("jugueteando como animalillo en la arena") como cuando el viento es una simple brisa, una corriente de aire, pero también de una manera más exaltada, impetuosa, al igual que el viento cuando se convierte en un huracán. Con el sol adorna su amor de luminosidad, de inocencia, de un carácter masculino. Las nubes aportan la reflexión, la melancolía y tristeza. Con las plantas le da a su amor fragilidad, transparencia, delicadeza. Con el agua, símbolo de la vida que guarda un fondo oscuro como es la muerte, la da vitalidad a su amor, aunque siempre rodeado de la sombra de la incertidumbre, de la muerte...
En este tramo del poema hay un cambio en los elementos que utiliza, para expresar su amor a través de sus propios sentimientos de miedo, que podría representar tanto su condición de homosexual, que lo condenó a la marginación, al ocultamiento, la burla, a la represión que sufre una persona que no posee la libertad de decidir sobre sí mismo y de sentir libremente. O incluso podría ser un miedo provocado por la duda, por la posibilidad de rechazo de la persona amada. Sin embargo, estas sensaciones negativas los contrapone a su alegría que le inunda los huecos que va dejando el miedo para llenar su amor también de optimismo.
El poeta ha llegado incluso a transmitir su amor por "terribles palabras", que pueden recibir este adjetivo quizás por la limitación de las propias palabras, que realmente no pueden encerrar en unos pocos sonidos la esencia de los sentimientos, en este caso del amor, o quizás sean terribles estas palabras por el miedo derivado de su condición de homosexual, del rechazo a este tipo de amor que ha hecho que su reafirmación en palabras haya constituido una especie de "sacrilegio".
Cernuda cambia totalmente el giro de su poema, dejando a un lado todo aquello que le ha servido para explicar su amor en la vida, en una realidad sensible que ahora abandona para afirmar que su amor superará las barreras de este mundo alcanzando el otro, esta idea de amor más allá de la muerte ya había sido presentada por Francisco de Quevedo en su poema Amor constante más allá de la muerte.
Habla del olvido, incluso más peligroso que la propia muerte para su amor (La muerte no llega con la vejez, sino con el olvido. G.Márquez), y no será capaz de arrancar de raíz su amor, que inevitablemente siempre seguirá en él.
Las ideas del texto pueden estructurarse de la siguiente manera:
Primera parte (Verso primero): Luis Cernuda introduce el sentimiento que va a desarrollar a lo largo de todo el poema.
Segunda parte: (Versos 2- 18): Se desarrollan todas aquellas maneras en las que el poeta le ha expresado su amor a otra persona, primero a través de elementos de la naturaleza y por último a través de sus propios sentimientos y sensaciones.
Tercera parte (Verso 19- 23): El poeta se considera insatisfecho, ya que necesita más formas de expresar su amor. Ahora sus instrumentos serán la muerte y el olvido.
El poema posee una estructura deductiva ya que el sentimiento principal que el poeta quiere transmitir, su amor por otra persona, se encuentra al principio del poema.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la comunicación del amor.
Luis Cernuda siente el deseo inevitable de expresar su amor por otra persona en todas las cosas conocidas y que lo rodean. Primero su condición de amor ha sido transmitida a través de la naturaleza: el sol, el agua, las plantas, las nubes... elementos que nos transmiten sensaciones de un amor puro, luminoso, sencillo, inocente. Sigue comunicando a la persona amada su devoción ahora con ayuda de sus propios sentimientos como su tristeza, también su alegría, con ayuda incluso del elemento básico para la comunicación oral, las palabras.
Finalmente el poeta se reafirma de que su amor traspasará incluso las barreras de la naturaleza, superando a la muerte, e incluso las barreras psicológicas, superando al olvido.
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece al reconocido autor de la Generación del 27, Luis Cernuda. El poeta que sin igualación consiguió representar el amor de maneras extraordinarias. Este poema está incluido en su libro Los placeres prohibidos, obra que pertenece a su etapa surrealista.
El surrealismo ha sido desde siempre un controvertido movimiento basado no en las relaciones racionales que se podrían establecer entre los objetos, sino dando un giro hasta lo entonces conocido e innovando na nueva manera de visión, la visión de otra realidad, totalmente subjetiva, escondida en nuestro subconsciente.
La creación de una obra surrealista ha sido definida algunas veces "como si el poeta se encontrara en medio de un sueño y es cuando entonces comenzara a escribir, empujado por una fuerza extraña que no atendiese a la lógica y que lo llevara a una "escritura automática"" . Siguiendo estas pautas el poema de Cernuda parece haber sido escrito durante el transcurso de un sueño que pretende comunicar amor y que trasmite luz, pureza, situándonos en algún espacio de la naturaleza, un sueño que a veces se tinta de colores más oscuros cuando alude a sentimientos más negativos como su tristeza, su hastío, su miedo... Para terminar finalmente con una gran convicción; de que su amor perdurará a todo, pase lo que pase.
Luis Cernuda durante todo su poema se dirige a una persona determinada a la que pretende transmitir a lo largo de su poema todo lo que queda resumido en el primer verso: "Te quiero", pero que la propia limitación del lenguaje impide en esas dos palabras la expresión de todo lo que el poeta está sintiendo.
Comienza utilizando elementos naturales, con ausencia de toda comunicación verbal para transmitir todas las sensaciones de su sentimiento. Con el viento dice habérselo dicho, tanto de una manera suave, pausada, ("jugueteando como animalillo en la arena") como cuando el viento es una simple brisa, una corriente de aire, pero también de una manera más exaltada, impetuosa, al igual que el viento cuando se convierte en un huracán. Con el sol adorna su amor de luminosidad, de inocencia, de un carácter masculino. Las nubes aportan la reflexión, la melancolía y tristeza. Con las plantas le da a su amor fragilidad, transparencia, delicadeza. Con el agua, símbolo de la vida que guarda un fondo oscuro como es la muerte, la da vitalidad a su amor, aunque siempre rodeado de la sombra de la incertidumbre, de la muerte...
En este tramo del poema hay un cambio en los elementos que utiliza, para expresar su amor a través de sus propios sentimientos de miedo, que podría representar tanto su condición de homosexual, que lo condenó a la marginación, al ocultamiento, la burla, a la represión que sufre una persona que no posee la libertad de decidir sobre sí mismo y de sentir libremente. O incluso podría ser un miedo provocado por la duda, por la posibilidad de rechazo de la persona amada. Sin embargo, estas sensaciones negativas los contrapone a su alegría que le inunda los huecos que va dejando el miedo para llenar su amor también de optimismo.
El poeta ha llegado incluso a transmitir su amor por "terribles palabras", que pueden recibir este adjetivo quizás por la limitación de las propias palabras, que realmente no pueden encerrar en unos pocos sonidos la esencia de los sentimientos, en este caso del amor, o quizás sean terribles estas palabras por el miedo derivado de su condición de homosexual, del rechazo a este tipo de amor que ha hecho que su reafirmación en palabras haya constituido una especie de "sacrilegio".
Cernuda cambia totalmente el giro de su poema, dejando a un lado todo aquello que le ha servido para explicar su amor en la vida, en una realidad sensible que ahora abandona para afirmar que su amor superará las barreras de este mundo alcanzando el otro, esta idea de amor más allá de la muerte ya había sido presentada por Francisco de Quevedo en su poema Amor constante más allá de la muerte.
Habla del olvido, incluso más peligroso que la propia muerte para su amor (La muerte no llega con la vejez, sino con el olvido. G.Márquez), y no será capaz de arrancar de raíz su amor, que inevitablemente siempre seguirá en él.
viernes, 30 de marzo de 2012
Rafael Alberti- Nocturno
1. Estructura y organización de las ideas del texto: En este poema de Rafael Alberti las ideas se estructuran de la siguiente manera:
En una primera parte (versos 1-6): Hay una descripción del estado personal de alguien ocupado por el odio, la venganza y la ira. Este estado bloquea totalmente toda capacidad de razón de las palabras. Se cierra la estrofa con la palabra balas.
En la segunda parte (versos 7-11): Se alude a la inutilidad de intentos de comunicación en forma de manifiestos, discursos... que han sido eclipsados por una guerra. Se concluye con las mismas palabras.
En la tercera parte (versos 12 al 16): El autor expresa su angustia por encontrarse en ese mismo estado. También se acaba la estrofa con la palabra balas.
En una cuarta parte: cierra el poema con una alusión al hecho de que las palabras han quedado sin uso, vacías.
El poema tiene una estructura circular, el poeta comienza y termina con la misma idea principal, intercalando entre ellas sus sentimientos hacia este hecho. Su idea principal trata sobre lo vano de las palabras ante una guerra.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la muerte de las palabras ante una situación de guerra.
Cuando se despierta la venganza, el odio , la rabia y la ira en el ser humano toda capacidad de comunicación queda aislada en un segundo plano, sustituidas por balas.
Todo el esfuerzo de la sociedad representado en manifiestos, discursos, comentarios.. para conseguir una civilización de la población han quedado manchados y destruidos por la sangre y las armas de una guerra.
El autor se lamenta de sentir esa misma sensación en él mismo, la de que la barbarie haya superado a las palabras y las haga acallar. Define a sus propias palabras como "heridas de muerte".
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece a Rafael Alberti, natural de el Puerto de Santa María, Caádiz y conocido miembro de la Generación de 27 y último de sus supervivientes.
En este poema, escrito en 1937, en plena Guerra Civil española, expresa su dolor y desesperación hacia el hecho de que la guerra haya superado con creces a las palabras y a la capacidad de comunicación de las personas para convertirlas en una ley de sangre y de predominio de "el más fuerte".
En sus versos, al final de cada estrofa encontramos un cierre con las palabras "balas, balas", una metonimia en la que se sustituye un gran todo como es una guerra simplificado en una de sus partes más representativas, las balas. Para hacernos llegar la sustitución de las palabras (otra metonimia que esconde la capacidad de comunicación y civilización de las personas) por estas.
En la primera estrofa hay una repetición de la palabra médula y tuétanos, no sabemos si con el mismo significado o con distinto pero en todo caso para realzar que ese odio, esa ira provocados por la guerra se encuentra grabado en lo más profundo de la persona.
En este poema nos subraya esta inutilidad de las palabras en tiempos de guerra. Sin embargo, encontramos algunos ejemplos con los que podemos probar que no todo es tan cierto, y que en ocasiones eran las mismas palabras las que alentaban a los soldados a la lucha. Un ejemplo muy conocido es el importante papel que jugaron escritores como Miguel Hernández y el propio Rafael Alberti recitando sus versos ante las tropas de su bando que habrían de combatir en los frentes, llenándolos así de una especie de "fuerza interior."
Pero lo que sí es cierto es que en las guerras hay una sustitución de la comunicación y el debate por la fuerza, las armas, la violencia para conseguir un objetivo.
Precisamente hay una pérdidad de la capacidad del lenguaje, la característica que nos define como seres racionales y nos separa de los animales. Eso es todo lo que se pierde en una guerra, quedando eclipsado por la parte más brutal, el odio, la venganza, la rabia, la fuerza, por eso la guerra es el lado más irracional del hombre, en el que se deja llevar por sus instintos más vergonzosos que hacen inútil tantos miles de años de trabajo y evolución en la ética y cultura humana, una guerra no es más que un retroceso de nuevo a nuestro instinto animal y antirracional. La propia guerra lleva a un círculo vicioso, en el que una vez que se comienza, difícil es de terminar, a excepción de la imposición de uno de los bandos por la fuerza.
Una vez que se comienza una guerra ya consiste en un círculo de dolor y venganzas en el que seguramente muchos hayan perdido la noción de por lo que luchan siquiera, restringiéndose a un odio irracional hacia el contrario, un odio que nubla todo lo demás.
En una primera parte (versos 1-6): Hay una descripción del estado personal de alguien ocupado por el odio, la venganza y la ira. Este estado bloquea totalmente toda capacidad de razón de las palabras. Se cierra la estrofa con la palabra balas.
En la segunda parte (versos 7-11): Se alude a la inutilidad de intentos de comunicación en forma de manifiestos, discursos... que han sido eclipsados por una guerra. Se concluye con las mismas palabras.
En la tercera parte (versos 12 al 16): El autor expresa su angustia por encontrarse en ese mismo estado. También se acaba la estrofa con la palabra balas.
En una cuarta parte: cierra el poema con una alusión al hecho de que las palabras han quedado sin uso, vacías.
El poema tiene una estructura circular, el poeta comienza y termina con la misma idea principal, intercalando entre ellas sus sentimientos hacia este hecho. Su idea principal trata sobre lo vano de las palabras ante una guerra.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la muerte de las palabras ante una situación de guerra.
Cuando se despierta la venganza, el odio , la rabia y la ira en el ser humano toda capacidad de comunicación queda aislada en un segundo plano, sustituidas por balas.
Todo el esfuerzo de la sociedad representado en manifiestos, discursos, comentarios.. para conseguir una civilización de la población han quedado manchados y destruidos por la sangre y las armas de una guerra.
El autor se lamenta de sentir esa misma sensación en él mismo, la de que la barbarie haya superado a las palabras y las haga acallar. Define a sus propias palabras como "heridas de muerte".
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece a Rafael Alberti, natural de el Puerto de Santa María, Caádiz y conocido miembro de la Generación de 27 y último de sus supervivientes.
En este poema, escrito en 1937, en plena Guerra Civil española, expresa su dolor y desesperación hacia el hecho de que la guerra haya superado con creces a las palabras y a la capacidad de comunicación de las personas para convertirlas en una ley de sangre y de predominio de "el más fuerte".
En sus versos, al final de cada estrofa encontramos un cierre con las palabras "balas, balas", una metonimia en la que se sustituye un gran todo como es una guerra simplificado en una de sus partes más representativas, las balas. Para hacernos llegar la sustitución de las palabras (otra metonimia que esconde la capacidad de comunicación y civilización de las personas) por estas.
En la primera estrofa hay una repetición de la palabra médula y tuétanos, no sabemos si con el mismo significado o con distinto pero en todo caso para realzar que ese odio, esa ira provocados por la guerra se encuentra grabado en lo más profundo de la persona.
En este poema nos subraya esta inutilidad de las palabras en tiempos de guerra. Sin embargo, encontramos algunos ejemplos con los que podemos probar que no todo es tan cierto, y que en ocasiones eran las mismas palabras las que alentaban a los soldados a la lucha. Un ejemplo muy conocido es el importante papel que jugaron escritores como Miguel Hernández y el propio Rafael Alberti recitando sus versos ante las tropas de su bando que habrían de combatir en los frentes, llenándolos así de una especie de "fuerza interior."
Pero lo que sí es cierto es que en las guerras hay una sustitución de la comunicación y el debate por la fuerza, las armas, la violencia para conseguir un objetivo.
Precisamente hay una pérdidad de la capacidad del lenguaje, la característica que nos define como seres racionales y nos separa de los animales. Eso es todo lo que se pierde en una guerra, quedando eclipsado por la parte más brutal, el odio, la venganza, la rabia, la fuerza, por eso la guerra es el lado más irracional del hombre, en el que se deja llevar por sus instintos más vergonzosos que hacen inútil tantos miles de años de trabajo y evolución en la ética y cultura humana, una guerra no es más que un retroceso de nuevo a nuestro instinto animal y antirracional. La propia guerra lleva a un círculo vicioso, en el que una vez que se comienza, difícil es de terminar, a excepción de la imposición de uno de los bandos por la fuerza.
Una vez que se comienza una guerra ya consiste en un círculo de dolor y venganzas en el que seguramente muchos hayan perdido la noción de por lo que luchan siquiera, restringiéndose a un odio irracional hacia el contrario, un odio que nubla todo lo demás.
lunes, 26 de marzo de 2012
1. Organización de las ideas:
Este poema de Antonio Machado las ideas pueden estructurarse de la siguiente manera:
En una primera parte, en la primera estrofa: Hay una descripción del asesinato de García Lorca. Se cuenta como lo llevaban caminando entre armas para ser fusilado.
En una segunda parte, en la segunda estrofa: Se explica la actitud del condenado hacia la muerte, a la que se dirige y reprocha que le arrebate la vida.
En la tercera parte, en la última estrofa: Machado hace un llamamiento a la memoria del pueblo para que no se olvide este crimen cometido en la Granada natal de Federico García Lorca.
Según las ideas de este texto podemos definir una estructura inductiva, ya que en un principio se relata como se acomete este crimen y la perspectiva de Lorca hacia él, pero la idea más importante, la clave se encuentra en los versos en los que Machado se dirige directamente a los lectores para encomendarles la tarea del recuerdo.
2. Resumen y tema:
El tema del poema es la muerte del poeta Federico García Lorca.
Antonio Machado cuenta el transcurso de la muerte de García Lorca, cómo lo llevan hasta el lugar donde debe ser fusilado y sin miramientos, ni ser capaz sus verdugos de mirarlo a los ojos, disparan.
Desde una segunda perspectiva en la que habla desde la persona de Lorca, cuenta como la muerte ha llegado para llevárselo, deteniendo sus versos para siempre y arrancándole la vida.
Vuelve Antonio Machado a hablar desde la primera persona, dirigiéndose esta vez a todos sus receptores para que este suceso no se olvide.
3. Comentario crítico:
Este poema de Machado trata sobre la muerte de su compañero García Lorca en Granada a manos de los golpistas. La muerte de Lorca se produjo en agosto de 1936 y este poema fue escrito en su memoria en 1937. En él , Machado comienza describiendo su muerte. Nos sitúa entre una marea de fusiles que dirigen al poeta a su muerte. El autor alude al hecho de que ninguno de sus verdugos quisiera mirarle a los ojos, quizás para insinuar que si lo hubieran hecho no hubieran podido continuar el crimen, abrumados por su inocencia o por la injusticia reflejada en ellos.
Después, Antonio Machado nos reproduce una supuesta conversación y actitud de García Lorca hacia la muerte. En ese monólogo que le dedica Lorca a la muerte hay una recreación de los sentidos en el poema, escuchaba el golpe de sus palmas, sentía el hielo y la hoz sobre él... La muerte es presentada como una pieza a la que Lorca va a completar, una pieza a la que su persona rellenará sus faltas "te cantaré la carne que no tienes", "los ojos que te faltan"...
Finalmente Machado se dirige al pueblo para encontrar la única salida a esa injusticia cometida, la del recuerdo, la de la pervivencia de ese momento en la historia que haga a todos comprender y ser conscientes de nuestros errores para no volver a cometerlos. Asimismo, en la poesía de Machado encontramos un símbolo muy utilizado por su autor para representar la vida: el agua. El agua quieta, en calma, representa a la muerte, mientras que el agua en movimiento representa la vida. En estos versos, a pesar del hecho de que García Lorca había sido ya asesinado aparece el agua brotando de una fuente, agua en movimiento, que representa la vida, una vida para el poeta a través del recuerdo, del no caer en el olvido, "Labrad, amigos, de piedra y sueño en el Alhambra, un túmulo al poeta". "Labrad de piedra y sueño", labrar un homenaje, un recuerdo del poeta fuerte, y a la vez de sueños, que representen el arte que Lorca representaba a través de las palabras. Insiste en esa perduración en la memoria a través de las repeticiones del lugar del crimen, Granada, en todo el poema.
"Aquel pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla" George Santayana.
Este poema de Antonio Machado las ideas pueden estructurarse de la siguiente manera:
En una primera parte, en la primera estrofa: Hay una descripción del asesinato de García Lorca. Se cuenta como lo llevaban caminando entre armas para ser fusilado.
En una segunda parte, en la segunda estrofa: Se explica la actitud del condenado hacia la muerte, a la que se dirige y reprocha que le arrebate la vida.
En la tercera parte, en la última estrofa: Machado hace un llamamiento a la memoria del pueblo para que no se olvide este crimen cometido en la Granada natal de Federico García Lorca.
Según las ideas de este texto podemos definir una estructura inductiva, ya que en un principio se relata como se acomete este crimen y la perspectiva de Lorca hacia él, pero la idea más importante, la clave se encuentra en los versos en los que Machado se dirige directamente a los lectores para encomendarles la tarea del recuerdo.
2. Resumen y tema:
El tema del poema es la muerte del poeta Federico García Lorca.
Antonio Machado cuenta el transcurso de la muerte de García Lorca, cómo lo llevan hasta el lugar donde debe ser fusilado y sin miramientos, ni ser capaz sus verdugos de mirarlo a los ojos, disparan.
Desde una segunda perspectiva en la que habla desde la persona de Lorca, cuenta como la muerte ha llegado para llevárselo, deteniendo sus versos para siempre y arrancándole la vida.
Vuelve Antonio Machado a hablar desde la primera persona, dirigiéndose esta vez a todos sus receptores para que este suceso no se olvide.
3. Comentario crítico:
Este poema de Machado trata sobre la muerte de su compañero García Lorca en Granada a manos de los golpistas. La muerte de Lorca se produjo en agosto de 1936 y este poema fue escrito en su memoria en 1937. En él , Machado comienza describiendo su muerte. Nos sitúa entre una marea de fusiles que dirigen al poeta a su muerte. El autor alude al hecho de que ninguno de sus verdugos quisiera mirarle a los ojos, quizás para insinuar que si lo hubieran hecho no hubieran podido continuar el crimen, abrumados por su inocencia o por la injusticia reflejada en ellos.
Después, Antonio Machado nos reproduce una supuesta conversación y actitud de García Lorca hacia la muerte. En ese monólogo que le dedica Lorca a la muerte hay una recreación de los sentidos en el poema, escuchaba el golpe de sus palmas, sentía el hielo y la hoz sobre él... La muerte es presentada como una pieza a la que Lorca va a completar, una pieza a la que su persona rellenará sus faltas "te cantaré la carne que no tienes", "los ojos que te faltan"...
Finalmente Machado se dirige al pueblo para encontrar la única salida a esa injusticia cometida, la del recuerdo, la de la pervivencia de ese momento en la historia que haga a todos comprender y ser conscientes de nuestros errores para no volver a cometerlos. Asimismo, en la poesía de Machado encontramos un símbolo muy utilizado por su autor para representar la vida: el agua. El agua quieta, en calma, representa a la muerte, mientras que el agua en movimiento representa la vida. En estos versos, a pesar del hecho de que García Lorca había sido ya asesinado aparece el agua brotando de una fuente, agua en movimiento, que representa la vida, una vida para el poeta a través del recuerdo, del no caer en el olvido, "Labrad, amigos, de piedra y sueño en el Alhambra, un túmulo al poeta". "Labrad de piedra y sueño", labrar un homenaje, un recuerdo del poeta fuerte, y a la vez de sueños, que representen el arte que Lorca representaba a través de las palabras. Insiste en esa perduración en la memoria a través de las repeticiones del lugar del crimen, Granada, en todo el poema.
"Aquel pueblo que olvida su historia está condenado a repetirla" George Santayana.
jueves, 22 de marzo de 2012
Juguemos- Elvira Lindo
1. Organización de las ideas del texto:
Estamos ante un artículo de Elvira Lindo, donde la organización de sus ideas puede disponerse de la manera:
- En una primera parte (Línea 1- 8): Hay una descripción de la falta de juego en la calle de los niños por causas como la inseguridad, la sustitución de estos juegos por las nuevas tecnologías o incluso por el empeño de padres por sustituir la falta de amigos.
- En una segunda parte (Línea 9- 12): Se defiende el juego tradicional frente a los juegos de "pantalla" como la opción más educativa.
- En la última parte (Línea 13 al final.): Opinión personal de la autora acerca de un escrito de Juan Carlos Rodríguez Ibarra rebatiendo el que las nuevas tecnologías estén reñidas con la cultura. Concluye con la misma idea del principio en la que defiende el juego tradicional como método de socialización de los niños.
El texto posee una estructura encuadrada ya que la tesis principal en la que se promueve la vuelta al juego tradicional por parte de la autora se encuentra tanto al principio como al final del texto.
2. Tema y resumen:
El tema de este artículo podría ser la defensa del juego tradicional frente a una suplantación por parte de las nuevas tecnologías.
Elvira Lindo defiende los juegos de toda la vida, el tradicional, de grupo. Aquel que obliga a los más pequeños a aprender a convivir con los demás. Esta costumbre está desapareciendo desplazada por la inseguridad que se vive en las calles, por las nuevas tecnologías... hasta conseguir una cifra considerable de niños que pasan largas horas ante una pantalla. Las nuevas tecnologías no deben de estar reñidas con los juegos de calle, sino encontrar un equilibrio entre ambos.
La autora afirma no estar de acuerdo con Rodríguez Ibarra en cuanto a que el ordenador no pueda estar en consonancia con la cultura, pero así mismo reconoce que se está perdiendo la principal herramienta para hacer a los niños más proclives a una buena socialización.
3. Comentario crítico:
Este artículo pertenece a la conocida articulista Elvira Lindo que trabaja en un periódico de tirada nacional, El País. En este artículo se nos habla de la importancia de volver a recuperar nuestros juegos de siempre, que se están viendo suplantados por nuevas circunstancias. Los datos se ven reflejados en las estadísticas que representa la autora en la que se ve como el número de niños que cambian sus juegos de siempre por pantallas virtuales va en aumento. En los datos que nos ofrece se puede ver perfectamente reflejado el argumento posterior de la autora acerca de la seguridad en la calle, la diferencia entre un país como los Estados Unidos donde su propia secretaria de estado, Hillary Clinton, afirma que "las tasas de asesinato superan los niveles de la guerra civil" y España, con un nivel de seguridad en sus calles mayor que el norteamericano.
También se equipara el problema a nuevas tecnologías como las videoconsolas, ordenadores...etc. Estas nuevas opciones no tienen porqué ser dañinas para los niños, sino verlos como otros modos de juegos en los que se desarrollan aptitudes diferentes, aunque también se limitan otras. Las nuevas tecnologías y lo tradicional no son antagonistas, sino complementarios, y lo que hace de ello un problema no es su uso, sino su abuso. Este abuso es el que puede ocasionar en los niños una actitud introvertida, problemas de socialización, enquistamiento de su personalidad..
Pero un uso adecuado del ordenador nos proporciona ventajas que no necesariamente están reñidas con la cultura, el ordenador, el acceso a Internet, nos proporciona oportunidades como la comunicación permanente, el contacto con aquellas personas, documentos, curiosidades que en otro contexto nunca llegaríamos a conocer...nos lleva una manera nueva de conocer e incluso de aprender, con nuevos recursos culturales.
Sin embargo, el juego de la calle, en el que se contacta, se roza, se tantean...los juegos en grupo, los de toda la vida, son los que les hacen desarrollar a los más pequeños unas aptitudes y unas situaciones que desarrollarán a lo largo de se vida a otro nivel, utilizándolas sin ser conscientes, como un juego, sin seriedad, con la característica inocencia infantil. Un juego que les aporta una mejor capacidad de socialización, e incluso de aprendizaje.
Lo que está claro es que, la mejor manera de aprendizaje y desarrollo de capacidades de los niños es el juego, y es algo que está avalado por la mayoría de los psicólogos y aquello que limita el aprendizaje para derivarlo a otras consecuencias es el abuso, tanto del juego tradicional de la calle como de los juegos aportados por las nuevas tecnologías. "Para los niños, jugar es la actividad que lo abarca todo en su vida: trabajo, entretenimiento, adquisición de experiencias, forma de explorar el mundo que le rodea, etc. El niño no separa el trabajo del juego y viceversa. Jugando el niño se pone en contacto con las cosas y aprende, inconscientemente, su utilidad y sus cualidades."
Estamos ante un artículo de Elvira Lindo, donde la organización de sus ideas puede disponerse de la manera:
- En una primera parte (Línea 1- 8): Hay una descripción de la falta de juego en la calle de los niños por causas como la inseguridad, la sustitución de estos juegos por las nuevas tecnologías o incluso por el empeño de padres por sustituir la falta de amigos.
- En una segunda parte (Línea 9- 12): Se defiende el juego tradicional frente a los juegos de "pantalla" como la opción más educativa.
- En la última parte (Línea 13 al final.): Opinión personal de la autora acerca de un escrito de Juan Carlos Rodríguez Ibarra rebatiendo el que las nuevas tecnologías estén reñidas con la cultura. Concluye con la misma idea del principio en la que defiende el juego tradicional como método de socialización de los niños.
El texto posee una estructura encuadrada ya que la tesis principal en la que se promueve la vuelta al juego tradicional por parte de la autora se encuentra tanto al principio como al final del texto.
2. Tema y resumen:
El tema de este artículo podría ser la defensa del juego tradicional frente a una suplantación por parte de las nuevas tecnologías.
Elvira Lindo defiende los juegos de toda la vida, el tradicional, de grupo. Aquel que obliga a los más pequeños a aprender a convivir con los demás. Esta costumbre está desapareciendo desplazada por la inseguridad que se vive en las calles, por las nuevas tecnologías... hasta conseguir una cifra considerable de niños que pasan largas horas ante una pantalla. Las nuevas tecnologías no deben de estar reñidas con los juegos de calle, sino encontrar un equilibrio entre ambos.
La autora afirma no estar de acuerdo con Rodríguez Ibarra en cuanto a que el ordenador no pueda estar en consonancia con la cultura, pero así mismo reconoce que se está perdiendo la principal herramienta para hacer a los niños más proclives a una buena socialización.
3. Comentario crítico:
Este artículo pertenece a la conocida articulista Elvira Lindo que trabaja en un periódico de tirada nacional, El País. En este artículo se nos habla de la importancia de volver a recuperar nuestros juegos de siempre, que se están viendo suplantados por nuevas circunstancias. Los datos se ven reflejados en las estadísticas que representa la autora en la que se ve como el número de niños que cambian sus juegos de siempre por pantallas virtuales va en aumento. En los datos que nos ofrece se puede ver perfectamente reflejado el argumento posterior de la autora acerca de la seguridad en la calle, la diferencia entre un país como los Estados Unidos donde su propia secretaria de estado, Hillary Clinton, afirma que "las tasas de asesinato superan los niveles de la guerra civil" y España, con un nivel de seguridad en sus calles mayor que el norteamericano.
También se equipara el problema a nuevas tecnologías como las videoconsolas, ordenadores...etc. Estas nuevas opciones no tienen porqué ser dañinas para los niños, sino verlos como otros modos de juegos en los que se desarrollan aptitudes diferentes, aunque también se limitan otras. Las nuevas tecnologías y lo tradicional no son antagonistas, sino complementarios, y lo que hace de ello un problema no es su uso, sino su abuso. Este abuso es el que puede ocasionar en los niños una actitud introvertida, problemas de socialización, enquistamiento de su personalidad..
Pero un uso adecuado del ordenador nos proporciona ventajas que no necesariamente están reñidas con la cultura, el ordenador, el acceso a Internet, nos proporciona oportunidades como la comunicación permanente, el contacto con aquellas personas, documentos, curiosidades que en otro contexto nunca llegaríamos a conocer...nos lleva una manera nueva de conocer e incluso de aprender, con nuevos recursos culturales.
Sin embargo, el juego de la calle, en el que se contacta, se roza, se tantean...los juegos en grupo, los de toda la vida, son los que les hacen desarrollar a los más pequeños unas aptitudes y unas situaciones que desarrollarán a lo largo de se vida a otro nivel, utilizándolas sin ser conscientes, como un juego, sin seriedad, con la característica inocencia infantil. Un juego que les aporta una mejor capacidad de socialización, e incluso de aprendizaje.
Lo que está claro es que, la mejor manera de aprendizaje y desarrollo de capacidades de los niños es el juego, y es algo que está avalado por la mayoría de los psicólogos y aquello que limita el aprendizaje para derivarlo a otras consecuencias es el abuso, tanto del juego tradicional de la calle como de los juegos aportados por las nuevas tecnologías. "Para los niños, jugar es la actividad que lo abarca todo en su vida: trabajo, entretenimiento, adquisición de experiencias, forma de explorar el mundo que le rodea, etc. El niño no separa el trabajo del juego y viceversa. Jugando el niño se pone en contacto con las cosas y aprende, inconscientemente, su utilidad y sus cualidades."
martes, 13 de marzo de 2012
Trabajo en equipos, conflictos y coordinación
Estructura de las ideas:
En este vídeo se presentan una serie de ideas que pueden estructurarse del siguiente modo.
En una primera parte (hasta la diapositiva "los conflictos existen porque no todos somos iguales" ): En el vídeo se presentan las distintas personalidades que se pueden encontrar en cada persona. Se explica cómo esa misma variedad es la que en ocasiones provoca la discordia y los problemas entre las personas.
En una segunda parte ( a partir de la diapositiva anterior hasta el final): Especialmente se llevan estos problemas originados en la variedad de carácteres al trabajo en equipo. Se suceden una serie de conflictos típicos del trabajo en grupo y consejos para realizar un buen trabajo. Se aconsejan la música y el ejercicio físico como relajante y una buena comunicación.
Resumen y tema:
El tema podría ser la superación de los conflictos originados en un trabajo de equipo.
El monólogo se introduce con la presentación de algunas de las personalidades humanas más comunes como la agresiva, la pacífica, la carismática...desde donde se nos conduce al origen de los conflictos, las diferencias entre esas personalidades.
Esos problemas se llevan al ámbito de los trabajos en equipo, realzándose la importancia de la comunicación para superarlos. Hay una explicación de los conflictos más frecuentes y una serie de consejos para acabar con ellos, entre los que se encuentra la música como instrumento de predisposición al trabajo en equipo.
Comentario Crítico:
En este vídeo se presentan una serie de ideas que pueden estructurarse del siguiente modo.
En una primera parte (hasta la diapositiva "los conflictos existen porque no todos somos iguales" ): En el vídeo se presentan las distintas personalidades que se pueden encontrar en cada persona. Se explica cómo esa misma variedad es la que en ocasiones provoca la discordia y los problemas entre las personas.
En una segunda parte ( a partir de la diapositiva anterior hasta el final): Especialmente se llevan estos problemas originados en la variedad de carácteres al trabajo en equipo. Se suceden una serie de conflictos típicos del trabajo en grupo y consejos para realizar un buen trabajo. Se aconsejan la música y el ejercicio físico como relajante y una buena comunicación.
Resumen y tema:
El tema podría ser la superación de los conflictos originados en un trabajo de equipo.
El monólogo se introduce con la presentación de algunas de las personalidades humanas más comunes como la agresiva, la pacífica, la carismática...desde donde se nos conduce al origen de los conflictos, las diferencias entre esas personalidades.
Esos problemas se llevan al ámbito de los trabajos en equipo, realzándose la importancia de la comunicación para superarlos. Hay una explicación de los conflictos más frecuentes y una serie de consejos para acabar con ellos, entre los que se encuentra la música como instrumento de predisposición al trabajo en equipo.
Comentario Crítico:
En este video se nos introduce en la importancia del trabajo
en equipo, pero también se nos presentan algunos de los conflictos más usuales
que puede dar este tipo de acercamientos entre compañeros, debido a sus
diferentes personalidades.
El estar obligado a realizar un trabajo de equipo supone una
serie de ventajas. La mayoría de las personas tendemos a la individualidad a la
hora de realizar cualquier proyecto, es quizá la proyección de una cierta
comodidad en la que no tenemos que entrar a un diálogo, discusión, puntos de
vistas distintos… simplemente lo hacemos todo a nuestra voluntad, sin
complicarnos más de lo necesario.
Sin embargo un trabajo conjunto nos obliga a la comunicación,
y que esta sea efectiva, si de verdad queremos conseguir el éxito, al debate, a
saber enfrentarnos a los demás ofreciendo a nuestros puntos de vista argumentos
razonables que puedan defenderlos. Se desarrolla (o debería) la capacidad de
escuchar a los demás y la apertura a ideas nuevas que difieran de las nuestras.
En un trabajo de equipo existe una mayor amplitud de
conocimientos, y es que siempre se ha dicho que “dos cabezas piensan mejor que
una”, y la diversidad de opiniones ayudará a la búsqueda de la perfección en
nuestro trabajo, enriqueciéndolo.
Las distintas personalidades a la hora de un trabajo
conjunto tienen gran influencia, así como el tipo de relación que tengamos con
esas personas. No es lo mismo trabajar con personas totalmente desconocidas a
las que por suerte o por desgracia les ha “tocado” en nuestro grupo que con
personas ya conocidas. Evidentemente la primera situación es la más propensa a
poder hacer un buen trabajo en equipo, ya que es la que más obliga a cada una
de las partes a la colaboración y coordinación empezando de cero, aunque también
puede darse el caso de que esa situación termine en desastre total.
Tampoco es la misma situación encontrarte con personalidades
afines a ti que hagan encarrilar en trabajo en una dirección que con
personalidades totalmente distintas que haga de la puesta en acuerdo un caos.
A pesar de todo esto, si en las situaciones más desfavorables
conseguimos a través del diálogo, la motivación y el amor propio superar las
barreras realizando un buen trabajo en una estupenda coordinación, todo ello
habrá supuesto una gran contribución a nuestro crecimiento y satisfacción
personal.
domingo, 11 de marzo de 2012
Lo que eres me distrae de lo que dices- Pedro Salinas
1. Estructura: El poema posee la siguiente estructura:
En una primera parte (verso 1- 17): Se realiza una descripción de la situación en la que la amada del autor conversa y se expresa, piensa, gesticula..pero el poeta solo tiene ojos para sus actos, llevando lo demás a un segundo plano.
En una segunda parte del verso 18 al final: Hay una afirmación del poeta en su amor inalcanzable, eterno y más allá del mundo material que siente por ella. Expresa como su felicidad el que ella sea capaz de amarlo.
El poema tendría una estructura inductiva, ya que el sentimiento principal que nos quiere transmitir el autor se encuentra al final del poema, donde nos describe y se reafirma en su amor hacia ella que se encuentra por encima de todo lo material y accesorio que los rodea.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser el amor más allá de lo sensible.
El autor nos describe el momento en el que su amada al hablar, hace que este se pierda entre sus palabras sin más capacidad que la de poder mirarla y observarla. Afirma no sentir celos de todo lo que ella ama, ya que todo ello es pasajero, mientras que su amor será eterno, inmortal, irá más allá de la vida, es algo a lo que él se agarra. Se queda con los actos de su amada que van mucho más allá de este mundo material. Estos llevan al autor a sentir el único deseo de seguir viendo a su amada realizar el más importante de ellos: el amarlo.
3. Comentario crítico: Estamos ante un poema de Pedro Salinas, reconocido miembro de la Generación del 27 y también conocido como poeta del amor, ya que consiguió enfocar el tema amoroso desde una perspectiva que muy pocos han sido capaces de igualar.
En este poema nos expresa el amor que siente hacia la persona amada como algo que supera al mundo sensible en el que nos encontramos para ir mucho más allá. Un allá que no parece tener claro, al que define como "fines y términos" y que contiene ciertos matices místicos y religiosos, como quizás un amor que traspase a la "otra vida".
Hace una recreación espectacular de un momento tan cotidiano como podría ser la anécdota de un amante "embobado" que solo tiene ojos para ella y no para sus palabras.
A esta recreación impone pensamientos propios y reflexiones profundas( como la condición de su amor inmortal y la causa de su felicidad) que van transcurriendo al tiempo que ella va hablando, gesticulando, pausándose...
El amor para él es algo que le aporta plenitud, felicidad, da sentido a su vida hasta el punto de afirmar que solo desea que su amada lo quiera. Lo afronta desde una perspectiva en la que lo convierte en fuente de positivismo, ilusión y enriquecimiento personal.
Está tan convencido de este amor verdadero que afirma perdurará más allá de cualquier límite impuesto, ya sea impuesto por la vida o impuesto por el final de ella.
Una vez más Salinas hace gala de un concepto de amor que no se aplica a nuestra actualidad, donde el amor no es algo tan puro y profundo como el sentido por el poeta. El amor actual puede llegar a ser incluso todo lo que él rechaza, búsqueda de interés o comodidad para ambas partes. El amor actual es tan poco real y mucho menos con vistas a inmortal que se llama amor a lo primero que pasa por nuestro camino, haciéndonos conscientes del error datos como el elevado porcentaje de divorcios en nuestro país, hasta el punto de haber tres divorcios por cada cuatro casamientos. Y es solo un ejemplo del fracaso del amor en nuestra época, y una prueba más de que el amor como tal está totalmente influenciado por circunstancias y situaciones del mundo real a las que se antepone el amor puro del poeta.
Aunque entre tanto fracaso de lo humano y del sentimiento puede que todavía existan casos capaces de afirmar que su amor durará más allá de fines y límites
En una primera parte (verso 1- 17): Se realiza una descripción de la situación en la que la amada del autor conversa y se expresa, piensa, gesticula..pero el poeta solo tiene ojos para sus actos, llevando lo demás a un segundo plano.
En una segunda parte del verso 18 al final: Hay una afirmación del poeta en su amor inalcanzable, eterno y más allá del mundo material que siente por ella. Expresa como su felicidad el que ella sea capaz de amarlo.
El poema tendría una estructura inductiva, ya que el sentimiento principal que nos quiere transmitir el autor se encuentra al final del poema, donde nos describe y se reafirma en su amor hacia ella que se encuentra por encima de todo lo material y accesorio que los rodea.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser el amor más allá de lo sensible.
El autor nos describe el momento en el que su amada al hablar, hace que este se pierda entre sus palabras sin más capacidad que la de poder mirarla y observarla. Afirma no sentir celos de todo lo que ella ama, ya que todo ello es pasajero, mientras que su amor será eterno, inmortal, irá más allá de la vida, es algo a lo que él se agarra. Se queda con los actos de su amada que van mucho más allá de este mundo material. Estos llevan al autor a sentir el único deseo de seguir viendo a su amada realizar el más importante de ellos: el amarlo.
3. Comentario crítico: Estamos ante un poema de Pedro Salinas, reconocido miembro de la Generación del 27 y también conocido como poeta del amor, ya que consiguió enfocar el tema amoroso desde una perspectiva que muy pocos han sido capaces de igualar.
En este poema nos expresa el amor que siente hacia la persona amada como algo que supera al mundo sensible en el que nos encontramos para ir mucho más allá. Un allá que no parece tener claro, al que define como "fines y términos" y que contiene ciertos matices místicos y religiosos, como quizás un amor que traspase a la "otra vida".
Hace una recreación espectacular de un momento tan cotidiano como podría ser la anécdota de un amante "embobado" que solo tiene ojos para ella y no para sus palabras.
A esta recreación impone pensamientos propios y reflexiones profundas( como la condición de su amor inmortal y la causa de su felicidad) que van transcurriendo al tiempo que ella va hablando, gesticulando, pausándose...
El amor para él es algo que le aporta plenitud, felicidad, da sentido a su vida hasta el punto de afirmar que solo desea que su amada lo quiera. Lo afronta desde una perspectiva en la que lo convierte en fuente de positivismo, ilusión y enriquecimiento personal.
Está tan convencido de este amor verdadero que afirma perdurará más allá de cualquier límite impuesto, ya sea impuesto por la vida o impuesto por el final de ella.
Una vez más Salinas hace gala de un concepto de amor que no se aplica a nuestra actualidad, donde el amor no es algo tan puro y profundo como el sentido por el poeta. El amor actual puede llegar a ser incluso todo lo que él rechaza, búsqueda de interés o comodidad para ambas partes. El amor actual es tan poco real y mucho menos con vistas a inmortal que se llama amor a lo primero que pasa por nuestro camino, haciéndonos conscientes del error datos como el elevado porcentaje de divorcios en nuestro país, hasta el punto de haber tres divorcios por cada cuatro casamientos. Y es solo un ejemplo del fracaso del amor en nuestra época, y una prueba más de que el amor como tal está totalmente influenciado por circunstancias y situaciones del mundo real a las que se antepone el amor puro del poeta.
Aunque entre tanto fracaso de lo humano y del sentimiento puede que todavía existan casos capaces de afirmar que su amor durará más allá de fines y límites
Para vivir no quiero. Pedro Salinas.
1. Estructura:
Este poema se podría dividir en dos partes: En una primera parte del verso 1- 11. El poeta expresa la manera en que él quiere vivir, sin los objetos materiales. Defiende su concepto de amor en el que no caben las apariencias, sino simplemente la personalidad, el interior de la otra persona.
En la segunda parte de los versos 12 al final : El poeta expresa la originalidad de la personalidad de su amada. Quiere amarla apartándose de todas las circunstancias que los caracterizan a ambos y simplemente siendo ellos mismos.
2. Resumen y tema: El tema podría ser el amor a la propia persona por encima de sus circunstancias.
El poeta expresa que para su felicidad no hacen falta las cosas materiales. Para amar a la otra persona no hacen falta las apariencias, los añadidos, lo superficial, sino simplemente la sencillez, ser ella misma, con espontaneidad. También promete amarla él mismo desde el mismo estado en el que se ha desprendido de todo lo anterior para resurgir desnudo, como él mismo.
3. Comentario crítico:
Estamos ante un poema de Pedro Salinas, conocido autor de la Generación del 27 en el que nos da una definición de su manera de sentir verdadero amor, en la que hay que desprenderse de todo lo accesorio para quedarse solo con la esencia de una persona, solo así se podrá amar realmente.
Existe una cita del famoso filósofo y escritor Ortega y Gasset que decía: "Yo soy yo y mis circunstancias, y si no la salvo a ella, no me salvo yo." Ortega y Gasset en su filosofía defendía la vida del ser humano como algo dependiente de su circunstancia, de todo lo que la rodea y por tanto, la influye y determina.
Podríamos entender la intención del autor como una intención en la que para crear al amor haya que dejar a un lado todas esas circunstancias para quedarnos en un estado de "esencia", solo así, sin nada que influya y decrete sobre nosotros mismos, solo así, desnudos de todo lo ajeno a la "esencia", se puede querer.
Este es un tipo de amor idealista y utópico. Las circunstancias de cada persona son determinantes en todos los aspectos de su vida, incluido el amor. El amor, propiamente, es un resultado de todo ello, de todo el conjunto. Aquellas cosas materiales que nos rodean, las situaciones, ... todo contribuye a formar toda nuestra vida. Es impensable hacerse a la idea de un amor puro como el que defiende al autor en el que no intervengan ningún tipo de circunstancias externas a nosotros mismos, ya sea en forma de impedimento o de progreso.
Lo ideal sería poder deprenderse de todo aquello para poder seguir las instrucciones del autor, pero estamos totalmente determinados por nuestras circunstancias hasta el punto de existir una gran coyuntura entre estas y nosotros. Eso solo sería posible en un mundo en el que solo existieran esas dos personas que se aman, un lugar donde no existiría nada externo que pudiese influir sobre nosotros, pudiendo amar "puramente" sin impedimentos. Pero al vivir en sociedad estamos condenados a tener unas circunstancias determinadas y guiarnos por estas.
Esta naturaleza de amor es una romántica utopía y una bonita literatura, pero una imposibilidad práctica en nuestro mundo sensible.
Este poema se podría dividir en dos partes: En una primera parte del verso 1- 11. El poeta expresa la manera en que él quiere vivir, sin los objetos materiales. Defiende su concepto de amor en el que no caben las apariencias, sino simplemente la personalidad, el interior de la otra persona.
En la segunda parte de los versos 12 al final : El poeta expresa la originalidad de la personalidad de su amada. Quiere amarla apartándose de todas las circunstancias que los caracterizan a ambos y simplemente siendo ellos mismos.
2. Resumen y tema: El tema podría ser el amor a la propia persona por encima de sus circunstancias.
El poeta expresa que para su felicidad no hacen falta las cosas materiales. Para amar a la otra persona no hacen falta las apariencias, los añadidos, lo superficial, sino simplemente la sencillez, ser ella misma, con espontaneidad. También promete amarla él mismo desde el mismo estado en el que se ha desprendido de todo lo anterior para resurgir desnudo, como él mismo.
3. Comentario crítico:
Estamos ante un poema de Pedro Salinas, conocido autor de la Generación del 27 en el que nos da una definición de su manera de sentir verdadero amor, en la que hay que desprenderse de todo lo accesorio para quedarse solo con la esencia de una persona, solo así se podrá amar realmente.
Existe una cita del famoso filósofo y escritor Ortega y Gasset que decía: "Yo soy yo y mis circunstancias, y si no la salvo a ella, no me salvo yo." Ortega y Gasset en su filosofía defendía la vida del ser humano como algo dependiente de su circunstancia, de todo lo que la rodea y por tanto, la influye y determina.
Podríamos entender la intención del autor como una intención en la que para crear al amor haya que dejar a un lado todas esas circunstancias para quedarnos en un estado de "esencia", solo así, sin nada que influya y decrete sobre nosotros mismos, solo así, desnudos de todo lo ajeno a la "esencia", se puede querer.
Este es un tipo de amor idealista y utópico. Las circunstancias de cada persona son determinantes en todos los aspectos de su vida, incluido el amor. El amor, propiamente, es un resultado de todo ello, de todo el conjunto. Aquellas cosas materiales que nos rodean, las situaciones, ... todo contribuye a formar toda nuestra vida. Es impensable hacerse a la idea de un amor puro como el que defiende al autor en el que no intervengan ningún tipo de circunstancias externas a nosotros mismos, ya sea en forma de impedimento o de progreso.
Lo ideal sería poder deprenderse de todo aquello para poder seguir las instrucciones del autor, pero estamos totalmente determinados por nuestras circunstancias hasta el punto de existir una gran coyuntura entre estas y nosotros. Eso solo sería posible en un mundo en el que solo existieran esas dos personas que se aman, un lugar donde no existiría nada externo que pudiese influir sobre nosotros, pudiendo amar "puramente" sin impedimentos. Pero al vivir en sociedad estamos condenados a tener unas circunstancias determinadas y guiarnos por estas.
Esta naturaleza de amor es una romántica utopía y una bonita literatura, pero una imposibilidad práctica en nuestro mundo sensible.
miércoles, 7 de marzo de 2012
Unos cuerpos son como flores- Luis Cernuda
Unos cuerpos son como flores,
Otros como puñales,
Otros como cintas de agua;
Pero todos, temprano o tarde,
Serán quemaduras que en otro cuerpo se agranden,
Convirtiendo por virtud del fuego a una piedra en un hombre.
Pero el hombre se agita en todas direcciones,
Sueña con libertades, compite con el viento,
Hasta que un día la quemadura se borra,
Volviendo a ser piedra en el camino de nadie.
Yo, que no soy piedra, sino camino
Que cruzan al pasar los pies desnudos,
Muero de amor por todos ellos;
Les doy mi cuerpo para que lo pisen,
Aunque les lleve a una ambición o a una nube,
Sin que ninguno comprenda
Que ambiciones o nubes
No valen un amor que se entrega.
1. Estructura y organización de las ideas del texto:
Las ideas de este poema de Luis Cernuda se pueden estructurar de la siguiente manera:
Una primera parte (versos 1-10): Se utiliza la tercera persona en la descripción de una serie de personas que producirán amor en otras. El amor terminará produciendo ansias de libertad en una de las partes hasta que se rompa.
En la segunda parte (versos 11- final): Aparece el yo poético y se expresa la identificación del poeta con un tipo de persona que deja actuar al amor, siendo consciente del momento de su ruptura, la cual acepta sin rencores, alegando que nada es equiparable a un amor verdadero.
La estructura es de tipo inductiva, ya que el sentimiento que nos quiere transmitir el poeta se encuentra al final del texto, en el que afirma que aquella opción por la que se abandona un amor nunca podrá ser equiparable a este.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la prevalencia del amor sobre las cosas materiales.
En este poema de Luis Cernuda nos acerca la descripción de personas, personas maravillosas, otras no tan maravillosas, personas transparentes... que terminarán produciendo amor y siendo amadas.
Este amor establecido crea un anhelo de libertad hasta hacer que este se rompa y una de las partes vuelva a encontrarse en el estado anterior al de ser amado.
El poeta hace una definición de su actuación en la que acepta este momento del amor en la que una de las partes sucumbe a una independencia amorosa, no sin antes afirmar que ninguna meta material más allá de un amor puro puede compararse a este.
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece al autor Luis Cernuda, destacado componente de la Generación del 27, en el que se trata un tema muy dado en la poesía de Cernuda, el amor.
El poeta afirma que el algún momento a todas las personas, independientemente de su condición personal les llega el momento de provocar amor y ser amados.
Defiende un concepto de amor como algo que realiza a las personas, algo importante que les aporta más. El amor como dar la vida ( como aparece en el paso de piedra a hombre).
Pero también presenta un deseo del hombre de tendencia a la libertad a ese amor, por sentirse aprisionado, o por alcanzar un objetivo.
Aparece en esta parte una metáfora cuando habla de alcanzar nubes, que representarían a los sueños, lo inalcanzable, y las ambiciones, como el deseo de alcanzar lo material, quizá éxito, fama o riqueza, algo que el amor que tiene no se lo da o no le permite alcanzarlo.
Se denomina a sí mismo como un camino, algo temporal, pasajero, transitorio por el que pasan sus amores pero ninguno se queda, ya que todos se rinden a otros deseos fuera de ese amor, sin comprender, según el autor que ese amor es lo realmente importante. Acepta ese abandono desde una posición comprensiva desde la que afirma incluso que los ama a "todos" aún sabiendo el fatal desenlace de sus momentos amorosos.
El autor defiende un tipo de amor como aquello a lo que más importancia se debe de dar, por encima de todo. Ese tipo de amor es importante, pero no es lo único que conforma la vida de una persona. Para Cernuda en su concepto de amor solo cabe la importancia absoluta de este, sin tener en cuenta que quizá el concepto de amor en otras personas no es el mismo que en el suyo. Fuera del amor hay muchas metas realizables para una persona, y que ese amor puede limitar, ante lo cual la elección estaría clara. El amor es solo una parte más y no necesariamente la más importante, no podemos hacer del amor lo sagrado de nuestra vida que nunca podamos corromper, sobretodo por que el amor, como todo, por cualquiera de las partes, también puede acabarse, y si hemos hecho de él todo el centro de nuestra existencia puede que esta llegue a desmoronarse con él.
Otros como puñales,
Otros como cintas de agua;
Pero todos, temprano o tarde,
Serán quemaduras que en otro cuerpo se agranden,
Convirtiendo por virtud del fuego a una piedra en un hombre.
Pero el hombre se agita en todas direcciones,
Sueña con libertades, compite con el viento,
Hasta que un día la quemadura se borra,
Volviendo a ser piedra en el camino de nadie.
Yo, que no soy piedra, sino camino
Que cruzan al pasar los pies desnudos,
Muero de amor por todos ellos;
Les doy mi cuerpo para que lo pisen,
Aunque les lleve a una ambición o a una nube,
Sin que ninguno comprenda
Que ambiciones o nubes
No valen un amor que se entrega.
1. Estructura y organización de las ideas del texto:
Las ideas de este poema de Luis Cernuda se pueden estructurar de la siguiente manera:
Una primera parte (versos 1-10): Se utiliza la tercera persona en la descripción de una serie de personas que producirán amor en otras. El amor terminará produciendo ansias de libertad en una de las partes hasta que se rompa.
En la segunda parte (versos 11- final): Aparece el yo poético y se expresa la identificación del poeta con un tipo de persona que deja actuar al amor, siendo consciente del momento de su ruptura, la cual acepta sin rencores, alegando que nada es equiparable a un amor verdadero.
La estructura es de tipo inductiva, ya que el sentimiento que nos quiere transmitir el poeta se encuentra al final del texto, en el que afirma que aquella opción por la que se abandona un amor nunca podrá ser equiparable a este.
2. Resumen y tema:
El tema podría ser la prevalencia del amor sobre las cosas materiales.
En este poema de Luis Cernuda nos acerca la descripción de personas, personas maravillosas, otras no tan maravillosas, personas transparentes... que terminarán produciendo amor y siendo amadas.
Este amor establecido crea un anhelo de libertad hasta hacer que este se rompa y una de las partes vuelva a encontrarse en el estado anterior al de ser amado.
El poeta hace una definición de su actuación en la que acepta este momento del amor en la que una de las partes sucumbe a una independencia amorosa, no sin antes afirmar que ninguna meta material más allá de un amor puro puede compararse a este.
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece al autor Luis Cernuda, destacado componente de la Generación del 27, en el que se trata un tema muy dado en la poesía de Cernuda, el amor.
El poeta afirma que el algún momento a todas las personas, independientemente de su condición personal les llega el momento de provocar amor y ser amados.
Defiende un concepto de amor como algo que realiza a las personas, algo importante que les aporta más. El amor como dar la vida ( como aparece en el paso de piedra a hombre).
Pero también presenta un deseo del hombre de tendencia a la libertad a ese amor, por sentirse aprisionado, o por alcanzar un objetivo.
Aparece en esta parte una metáfora cuando habla de alcanzar nubes, que representarían a los sueños, lo inalcanzable, y las ambiciones, como el deseo de alcanzar lo material, quizá éxito, fama o riqueza, algo que el amor que tiene no se lo da o no le permite alcanzarlo.
Se denomina a sí mismo como un camino, algo temporal, pasajero, transitorio por el que pasan sus amores pero ninguno se queda, ya que todos se rinden a otros deseos fuera de ese amor, sin comprender, según el autor que ese amor es lo realmente importante. Acepta ese abandono desde una posición comprensiva desde la que afirma incluso que los ama a "todos" aún sabiendo el fatal desenlace de sus momentos amorosos.
El autor defiende un tipo de amor como aquello a lo que más importancia se debe de dar, por encima de todo. Ese tipo de amor es importante, pero no es lo único que conforma la vida de una persona. Para Cernuda en su concepto de amor solo cabe la importancia absoluta de este, sin tener en cuenta que quizá el concepto de amor en otras personas no es el mismo que en el suyo. Fuera del amor hay muchas metas realizables para una persona, y que ese amor puede limitar, ante lo cual la elección estaría clara. El amor es solo una parte más y no necesariamente la más importante, no podemos hacer del amor lo sagrado de nuestra vida que nunca podamos corromper, sobretodo por que el amor, como todo, por cualquiera de las partes, también puede acabarse, y si hemos hecho de él todo el centro de nuestra existencia puede que esta llegue a desmoronarse con él.
lunes, 5 de marzo de 2012
Federico García Lorca
Dramaturgo, pero aficionado al cine, para el que llegará a escribir un guión, admirador de Buster Keaton actor y director cinematográfico estadounidense que se caracterizaba por un gran humor escondido tras una cara inexpresiva, conocido popularmente en España como el "Pamplinas". Fue víctima de las bromas de Buñuel, ya que El perro andaluz es el título de una de sus películas más significativas del cine surrealista y también el remoquete con el que él y Dalí (que no incluyeron a Lorca en los créditos a pesar de su indudable colaboración) reprochan al poeta su entrega al tipismo folclórico con El romancero gitano, que los surrealistas consideraron como una traición al arte nuevo. Reproche injusto ya que tras su viaje a Nueva York García Lorca creará un lenguaje poético nuevo, vibrante y con un tono antes no oído en nuestra lengua. Interesante es la descripción que nos presenta un amigo común de los tres enemistados de cada uno de ellos. Pepín Bello llega a afirmar: ¿Lorca?"Un genio. Alegre, extrovertido,sincero. Tenía muchas virtudes. Todo el mundo le decía que era estupendo. Yo, no tanto. Por eso, como tenía su vanidad, me decía: "Tú no me admiras lo suficiente". ¿Dalí?"Era asexuado. No sabía leer el reloj, ni que un duro eran cinco pesetas.Pero de arte lo sabía todo". ¿Buñuel?"Nos entendimos muy bien, pero no conseguimos que fuera jamás al Museo del Prado. Lorca y Dalí eran geniales para ver arte".
García Lorca será capaz de armonizar obras de carácter tradicional (desde Bodas de Sangre hasta doña Rosita la soltera, pasando por la Maravilla de los títeres y la Zapatera Prodigiosa) con otras consideradas durante mucho tiempo como irrepresentables (El público, Comedia sin título) o ese monumento en el que el surrealismo se mezcla sorprendentemente con la poesía de tradición oral como Así que pasen cinco años.
En la fotografía bajo el texto, se puede apreciar una fotografía de Nueva York, realizada desde una perspectiva en contrapicado. Esta perspectiva nos realza los edificios que aparecen en la fotografía, dándoles grandeza y empequeñeciéndonos a los observadores. Podemos ver la contraposición entre un edificio clásico como es un Panteón griego y unos edificios modernos, rascacielos en forma ascendente de escalera. Podría ser una contraposición entre los tiempos modernos y los tiempos antiguos. O incluso podría referirse al estilo hablado anteriormente en Lorca, los estilos tan diferentes que se dan en él, tanto un estilo folclórico, más tradicional frente a un estilo más renovador y actual.
García Lorca será capaz de armonizar obras de carácter tradicional (desde Bodas de Sangre hasta doña Rosita la soltera, pasando por la Maravilla de los títeres y la Zapatera Prodigiosa) con otras consideradas durante mucho tiempo como irrepresentables (El público, Comedia sin título) o ese monumento en el que el surrealismo se mezcla sorprendentemente con la poesía de tradición oral como Así que pasen cinco años.
En la fotografía bajo el texto, se puede apreciar una fotografía de Nueva York, realizada desde una perspectiva en contrapicado. Esta perspectiva nos realza los edificios que aparecen en la fotografía, dándoles grandeza y empequeñeciéndonos a los observadores. Podemos ver la contraposición entre un edificio clásico como es un Panteón griego y unos edificios modernos, rascacielos en forma ascendente de escalera. Podría ser una contraposición entre los tiempos modernos y los tiempos antiguos. O incluso podría referirse al estilo hablado anteriormente en Lorca, los estilos tan diferentes que se dan en él, tanto un estilo folclórico, más tradicional frente a un estilo más renovador y actual.
jueves, 23 de febrero de 2012
Fragmento de Los Girasoles Ciegos
1. Organización de las ideas del texto:
En este fragmento de la obra "Los girasoles ciegos" las ideas se pueden estructurar de la siguiente manera:
En una primera parte (línea 1-19) que se corresponde con la : El protagonista enumera aquellos rasgos de los padres de sus amigos por lo que ellos, los niños, los admiran y los respetan. A un padre lo admiran por ser torero, a otro por poseer vacas, al otro por cazar pájaros....
En la segunda parte (Línea 19- Final): El niño cierra su relato acudiendo a un recuerdo en el que el gobierno franquista apresó a su padre, lo que provocó el suicidio de este. El único consuelo para él de ese momento fue el poder hacer público aquello que lo hacía sentirse orgulloso de su padre.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser la añoranza de la figura paterna.
El protagonista narra las cualidades que admira de los padres de sus amigos, que causan furor entre los niños de su barrio. Él debe mantener escondido la hazaña más importante de su padre, la de seguir cuidándolo a pesar de ser buscado por las fuerzas franquistas. El niño siente aliviado ese peso, como única consecuencia positiva del día en que su padre es descubierto, la de poder presumir él también de un padre que lo quería.
3.Comentario crítico:
Este texto es un fragmento del libro "Los girasoles ciegos", perteneciente al autor Alberto Méndez. Es un testimonio que recoge los desastres que se vivió durante y tras la guerra civil española, la crueldad, la inhumanidad por parte de ambos bandos y la cruda represión posterior que hubo hacia los perdedores de la guerra.
En este fragmento nos presenta una de las consecuencias más directas del desastre de la guerra, visto desde un punto de vista infantil, inocente. Un punto de vista que representa el de todas aquellas personas que sufrieron estos actos en sus propias carnes.
El niño nos cuenta la admiración que sentían él y su pandilla por los padres o de algunos compañeros, los que tenían algo que los hacia destacar y generar un respeto entre los más inocentes. Se ve desde un punto de vista muy sencillo e infantil las cosas más graves, como el hombre cojo (probablemente por la guerra) que conducía la moto, el pobre, al que admiraban tan solo porque cazaba pájaros...
El protagonista seguramente también estaría encantado de contar todas las hazañas de su superhéroe favorito, su padre. Pero este pequeño cómplice debe callar y disimular por amor a su padre, por protegerlo y seguir alimentando la mentira que envuelve a su familia.
Por ello es por lo que el niño expresa alivio al descubrirse la trama de su familia, porque esa carga de callar el nombre de su padre no existe, ya puede hablar abiertamente de él y destacar toda la admiración que siente por su padre.
El texto refleja una repercusión, una práctica que muchas personas perseguidas en una guerra, en un conflicto, han llevado a cabo. Restringirse su propia libertad, enconar sus pensamientos, correr un tupido velo alrededor de toda su vida, como si nunca hubiera existido, por miedo. Miedo a la muerte, por su familia...
Encerrarse en una situación que lleva a la persona a una situación extrema y continua de desgaste. Se le imponen un título de prisionero o malhechor, simplemente por el hecho de expresar sus ideas. Se siente empujado a matar o que lo maten por aquello que piensa, al igual que los animales matarían o morirían en una lucha por la vida, sin darle opción a renunciar a la violencia. Es la ley de imposición del más fuerte.
En el libro hay una frase del padre de Lorenzo, el protagonista, en la que resume un hecho, que actualmente consideraríamos como impensable, en nuestra situación, pero que es una cruda realidad en muchas otras vidas distintas a la nuestra: "Y lo peor de todo esto, es que no quieren matarme por algo que haya hecho, sino por lo que pienso. Yo no quiero que mis hijos tengan que matar o morir por aquello que piensen."
Remitiéndonos al texto de nuevo, el padre de Lorenzo, finalmente decide morir por sí mismo, decide acabar con su sufrimiento, morir antes de que lo maten, por amor a su familia, por liberarlos de la carga que suponía su presencia en esos tiempos, por ausencia de esperanza, con el fin de protegerlos.
Lorenzo el protagonista, después de ese momento, encuentra el consuelo en poder decir en voz alta que él también tenía un padre valiente, digno de admiración y que también lo cuidaba y lo quería como el que más.
En este fragmento de la obra "Los girasoles ciegos" las ideas se pueden estructurar de la siguiente manera:
En una primera parte (línea 1-19) que se corresponde con la : El protagonista enumera aquellos rasgos de los padres de sus amigos por lo que ellos, los niños, los admiran y los respetan. A un padre lo admiran por ser torero, a otro por poseer vacas, al otro por cazar pájaros....
En la segunda parte (Línea 19- Final): El niño cierra su relato acudiendo a un recuerdo en el que el gobierno franquista apresó a su padre, lo que provocó el suicidio de este. El único consuelo para él de ese momento fue el poder hacer público aquello que lo hacía sentirse orgulloso de su padre.
2. Tema y resumen:
El tema podría ser la añoranza de la figura paterna.
El protagonista narra las cualidades que admira de los padres de sus amigos, que causan furor entre los niños de su barrio. Él debe mantener escondido la hazaña más importante de su padre, la de seguir cuidándolo a pesar de ser buscado por las fuerzas franquistas. El niño siente aliviado ese peso, como única consecuencia positiva del día en que su padre es descubierto, la de poder presumir él también de un padre que lo quería.
3.Comentario crítico:
Este texto es un fragmento del libro "Los girasoles ciegos", perteneciente al autor Alberto Méndez. Es un testimonio que recoge los desastres que se vivió durante y tras la guerra civil española, la crueldad, la inhumanidad por parte de ambos bandos y la cruda represión posterior que hubo hacia los perdedores de la guerra.
En este fragmento nos presenta una de las consecuencias más directas del desastre de la guerra, visto desde un punto de vista infantil, inocente. Un punto de vista que representa el de todas aquellas personas que sufrieron estos actos en sus propias carnes.
El niño nos cuenta la admiración que sentían él y su pandilla por los padres o de algunos compañeros, los que tenían algo que los hacia destacar y generar un respeto entre los más inocentes. Se ve desde un punto de vista muy sencillo e infantil las cosas más graves, como el hombre cojo (probablemente por la guerra) que conducía la moto, el pobre, al que admiraban tan solo porque cazaba pájaros...
El protagonista seguramente también estaría encantado de contar todas las hazañas de su superhéroe favorito, su padre. Pero este pequeño cómplice debe callar y disimular por amor a su padre, por protegerlo y seguir alimentando la mentira que envuelve a su familia.
Por ello es por lo que el niño expresa alivio al descubrirse la trama de su familia, porque esa carga de callar el nombre de su padre no existe, ya puede hablar abiertamente de él y destacar toda la admiración que siente por su padre.
El texto refleja una repercusión, una práctica que muchas personas perseguidas en una guerra, en un conflicto, han llevado a cabo. Restringirse su propia libertad, enconar sus pensamientos, correr un tupido velo alrededor de toda su vida, como si nunca hubiera existido, por miedo. Miedo a la muerte, por su familia...
Encerrarse en una situación que lleva a la persona a una situación extrema y continua de desgaste. Se le imponen un título de prisionero o malhechor, simplemente por el hecho de expresar sus ideas. Se siente empujado a matar o que lo maten por aquello que piensa, al igual que los animales matarían o morirían en una lucha por la vida, sin darle opción a renunciar a la violencia. Es la ley de imposición del más fuerte.
En el libro hay una frase del padre de Lorenzo, el protagonista, en la que resume un hecho, que actualmente consideraríamos como impensable, en nuestra situación, pero que es una cruda realidad en muchas otras vidas distintas a la nuestra: "Y lo peor de todo esto, es que no quieren matarme por algo que haya hecho, sino por lo que pienso. Yo no quiero que mis hijos tengan que matar o morir por aquello que piensen."
Remitiéndonos al texto de nuevo, el padre de Lorenzo, finalmente decide morir por sí mismo, decide acabar con su sufrimiento, morir antes de que lo maten, por amor a su familia, por liberarlos de la carga que suponía su presencia en esos tiempos, por ausencia de esperanza, con el fin de protegerlos.
Lorenzo el protagonista, después de ese momento, encuentra el consuelo en poder decir en voz alta que él también tenía un padre valiente, digno de admiración y que también lo cuidaba y lo quería como el que más.
jueves, 16 de febrero de 2012
Bodas de sangre- Federico García Lorca
1.ESTRUCTURA DE LAS IDEAS DEL TEXTO:
Este fragmento de Bodas de Sangre pertenece al desarrollo de la acción de la obra, carece de planteamiento y de un desenlace concreto. Las ideas se pueden estructurar de la siguiente manera:
En una primera parte del verso 1-17: Aquí encontramos a una pareja que parece huir de algo, pero la novia en ese momento se arrepiente y pide a su compañero que la abandone, la mate, o le de medios para poder suicidarse ella misma porque no quiere seguir adelante con la huida.
En la segunda parte del verso 18- al 40: Leonardo pide su silencio, a lo que ella responde con un reproche por haberla obligado. Él a su vez, le expone las razones de porqué eso no es cierto, y es ahí cuando en la novia anida una gran confunsión, en la que se puede entrever que lo quiere pero también tiene miedo de algo y lo culpa a él.
En la última parte del verso 41 al final: Leonardo contrataca desquitándose de toda culpa, exponiendo cómo él intento olvidar su amor hacia ella, pero finalmente su encanto terminó por seducirlo sin poder hacer nada contra ello.
2. RESUMEN:
Leonardo está protagonizando una huida con su amada. Esta se niega a seguir adelante con ella y le pide que la abandone, o bien, la mate. También le culpa a él por haberla llevado a esta situación. Él contrarresta sus acusaciones con el recuerdo de las iniciativas de ella para comenzar esa aventura, y él se despoja de toda culpa aludiendo al hecho de que su amor por ella era irremediable y Leonardo eso no lo podía controlar.
3.COMENTARIO CRÍTICO:
Este fragmento pertenece a una obra drámatica, Bodas de Sangre, cuyo autor es Federico García Lorca, conocido poeta granadino, asociado con la Generación del 27. En este teatro una pareja de enamorados parece escapar de algo, en la pareja tenemos al hombre, Leonardo, pero, sin embargo, cuando se refiere a la mujer, la denominan como "Novia", lo que nos lleva a pensar que si fuesen novios entre ellos dos se los llamaría "Novio y novia". Al no darse esto, podríamos suponer que la novia, en realidad lleva ese nombre por ser la novia de una boda, la novia de otra persona, y que está escapando junto al hombre que realmente ama, que sería Leonardo. En la huida, ella parece arrepentirse, y la causa principal parece ser el miedo, a algo. Entonces le roga a su amado que la mate,al tiempo que lo hace culpable de la situación, negándose a seguir con la huida. Leonardo entonces le hace comprender que realmente ella si quería acompañarlo, ya que si no se hubiera negado, le hace ver que sus sentimientos hacia ella están fuera de su control, que no es él quien los dicta.
En este fragmento podemos ver reflejado el estereotipo de amor que existía en la época en la que está basada la obra (década de los años 30). El amor no era más que un contrato más que ayudase sobretodo a la mujer a conseguir una situación decente. No existía una clara libertad respecto a la elección de a quién querer, o simplemente con quién casarte. En el caso de la mujer el concepto de libertad ni siquiera existía, la mujer era como una pertenencia a su familia (en especial el cabeza de familia) que decidía sobre toda su vida, incluida esa parte. Ellos decidían a la persona ideal para su hija, la cual no tenía ni voz ni voto. Justamente en esta obra se localiza una oposición a este prototipo, representada por la rebelión de los personajes a ese pacto. En su rebelión deben escapar, huir, esconderse, como si elegir a la persona a la que amar fuera algo vergonzoso. Afortunadamente en la actualidad de nuestro país no se suelen dar estas situaciones, y a excepción de unos pocos casos, la mayoría de las personas puede elegir libremente con quien estar o a quien querer. Existiendo hasta el divorcio o la separación, vigentes desde 1981. Es más, la práctica está tan extendida que ya existen los denominados "divorcios express".
Hoy en día cualquier persona tiene la capacidad de elección, y también la de rectificación. Hoy en día cualquiera conoce un gran número de divorciados, y sobre ellos no recae ninguna consecuencia social. Excepto desgraciadamente en los miles de casos machistas que brotan en la sociedad, cuya consecuencia directa es la de la violencia que reprime cualquier capacidad de elección en la mujer. La situación ha mejorado bastante desde 1930, pero indudablemente nos queda mucho camino por andar.
Este fragmento de Bodas de Sangre pertenece al desarrollo de la acción de la obra, carece de planteamiento y de un desenlace concreto. Las ideas se pueden estructurar de la siguiente manera:
En una primera parte del verso 1-17: Aquí encontramos a una pareja que parece huir de algo, pero la novia en ese momento se arrepiente y pide a su compañero que la abandone, la mate, o le de medios para poder suicidarse ella misma porque no quiere seguir adelante con la huida.
En la segunda parte del verso 18- al 40: Leonardo pide su silencio, a lo que ella responde con un reproche por haberla obligado. Él a su vez, le expone las razones de porqué eso no es cierto, y es ahí cuando en la novia anida una gran confunsión, en la que se puede entrever que lo quiere pero también tiene miedo de algo y lo culpa a él.
En la última parte del verso 41 al final: Leonardo contrataca desquitándose de toda culpa, exponiendo cómo él intento olvidar su amor hacia ella, pero finalmente su encanto terminó por seducirlo sin poder hacer nada contra ello.
2. RESUMEN:
Leonardo está protagonizando una huida con su amada. Esta se niega a seguir adelante con ella y le pide que la abandone, o bien, la mate. También le culpa a él por haberla llevado a esta situación. Él contrarresta sus acusaciones con el recuerdo de las iniciativas de ella para comenzar esa aventura, y él se despoja de toda culpa aludiendo al hecho de que su amor por ella era irremediable y Leonardo eso no lo podía controlar.
3.COMENTARIO CRÍTICO:
Este fragmento pertenece a una obra drámatica, Bodas de Sangre, cuyo autor es Federico García Lorca, conocido poeta granadino, asociado con la Generación del 27. En este teatro una pareja de enamorados parece escapar de algo, en la pareja tenemos al hombre, Leonardo, pero, sin embargo, cuando se refiere a la mujer, la denominan como "Novia", lo que nos lleva a pensar que si fuesen novios entre ellos dos se los llamaría "Novio y novia". Al no darse esto, podríamos suponer que la novia, en realidad lleva ese nombre por ser la novia de una boda, la novia de otra persona, y que está escapando junto al hombre que realmente ama, que sería Leonardo. En la huida, ella parece arrepentirse, y la causa principal parece ser el miedo, a algo. Entonces le roga a su amado que la mate,al tiempo que lo hace culpable de la situación, negándose a seguir con la huida. Leonardo entonces le hace comprender que realmente ella si quería acompañarlo, ya que si no se hubiera negado, le hace ver que sus sentimientos hacia ella están fuera de su control, que no es él quien los dicta.
En este fragmento podemos ver reflejado el estereotipo de amor que existía en la época en la que está basada la obra (década de los años 30). El amor no era más que un contrato más que ayudase sobretodo a la mujer a conseguir una situación decente. No existía una clara libertad respecto a la elección de a quién querer, o simplemente con quién casarte. En el caso de la mujer el concepto de libertad ni siquiera existía, la mujer era como una pertenencia a su familia (en especial el cabeza de familia) que decidía sobre toda su vida, incluida esa parte. Ellos decidían a la persona ideal para su hija, la cual no tenía ni voz ni voto. Justamente en esta obra se localiza una oposición a este prototipo, representada por la rebelión de los personajes a ese pacto. En su rebelión deben escapar, huir, esconderse, como si elegir a la persona a la que amar fuera algo vergonzoso. Afortunadamente en la actualidad de nuestro país no se suelen dar estas situaciones, y a excepción de unos pocos casos, la mayoría de las personas puede elegir libremente con quien estar o a quien querer. Existiendo hasta el divorcio o la separación, vigentes desde 1981. Es más, la práctica está tan extendida que ya existen los denominados "divorcios express".
Hoy en día cualquier persona tiene la capacidad de elección, y también la de rectificación. Hoy en día cualquiera conoce un gran número de divorciados, y sobre ellos no recae ninguna consecuencia social. Excepto desgraciadamente en los miles de casos machistas que brotan en la sociedad, cuya consecuencia directa es la de la violencia que reprime cualquier capacidad de elección en la mujer. La situación ha mejorado bastante desde 1930, pero indudablemente nos queda mucho camino por andar.
miércoles, 15 de febrero de 2012
domingo, 12 de febrero de 2012
Gratitud- Wislawa Szymborska
1. Organización de las ideas: En este poema de Wislawa Szymborska la organización de las ideas se dispone:
En una primera parte de los versos 1 al 10: En ellos la autora nos habla de las personas a las que no quiere y por las que tiene respeto, no se entromete en sus vidas. Contrapone cómo al no sentir amor por ellas solo recibe de ellas paz y libertad.
En la segunda parte, versos del 10 al final: Explica la indiferencia que tiene hacia ellos y por eso, mismo por no amarlos y ello provocarle indiferencia es capaz de ver las cosas que los conciernen de una manera más objetiva.
La estructura es una estructura encuadrada o circular ya que comienza agradeciendo una cierta indiferencia a las personas desconocidas que la han llevado ha poder crecer personalmente y ver las cosas de una manera más objetiva, neutral.
2.Tema y resumen:
El tema podría ser el respeto hacia los no amados y la objetividad que provoca esa no cercanía.
La autora habla de sus sentimientos hacia aquellas personas que no ama, a las que respeta y no daña. De las que solo quiere recibir lo que el amor no da, paz, tranquilidad y libertad.A esos sentimientos les responde con la reciprocidad y les agradece el haber podido desarrollarse más como persona ayudada por una objetividad que no podría obtener respecto a personas amadas.
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece a la autora polaca Wislawa Szymborska. Se titula gratitud y nos habla del no amor que siente hacia otras personas, de las que no se siente enemiga y a las que agradece el haberla ayudado a poder concebir ideas y visiones desde un punto nada subjetivo como el que le habría proporcionado las personas a las que sí ama.
Ya en su poema Amor feliz a través de la ironía, nos proporcionaba una ligera idea de su concepto de amor, que al parecer no se correspondía con ese concepto de algo romántico y maravilloso de la mayoría. Para ella el amor produce ceguera, imposibilidad de ver el mundo con objetividad, el amor enquista a una persona en la otra, roba la capacidad de elección, decidir a quien querer y a quien no.
Por amor somos capaces de dejar a un lado principios y cuestiones morales, para satisfacerlo o defenderlo.
Por eso su poema se titula gratitud, y la siente hacia aquellas personas a las que no ama, hacia aquellas personas por las que no tiene que deformar la realidad para cumplir con los requisitos morales del amor. Cuando no se ama se puede ver el mundo desde una perspectiva más fría y más lejana, desde una perspectiva más racional, una perspectiva que no puede darte el amor ya que siempre se verá influenciado por los sentimientos que nos harán cambiar el mundo de acorde con la felicidad y bienestar de nuestros amados. La autora también alude a la importancia de mantener una buena moral con la que puedas sentirte en paz, en los versos "la dicha de que no soy yo un lobo para sus ovejas".
En una primera parte de los versos 1 al 10: En ellos la autora nos habla de las personas a las que no quiere y por las que tiene respeto, no se entromete en sus vidas. Contrapone cómo al no sentir amor por ellas solo recibe de ellas paz y libertad.
En la segunda parte, versos del 10 al final: Explica la indiferencia que tiene hacia ellos y por eso, mismo por no amarlos y ello provocarle indiferencia es capaz de ver las cosas que los conciernen de una manera más objetiva.
La estructura es una estructura encuadrada o circular ya que comienza agradeciendo una cierta indiferencia a las personas desconocidas que la han llevado ha poder crecer personalmente y ver las cosas de una manera más objetiva, neutral.
2.Tema y resumen:
El tema podría ser el respeto hacia los no amados y la objetividad que provoca esa no cercanía.
La autora habla de sus sentimientos hacia aquellas personas que no ama, a las que respeta y no daña. De las que solo quiere recibir lo que el amor no da, paz, tranquilidad y libertad.A esos sentimientos les responde con la reciprocidad y les agradece el haber podido desarrollarse más como persona ayudada por una objetividad que no podría obtener respecto a personas amadas.
3. Comentario crítico:
Este poema pertenece a la autora polaca Wislawa Szymborska. Se titula gratitud y nos habla del no amor que siente hacia otras personas, de las que no se siente enemiga y a las que agradece el haberla ayudado a poder concebir ideas y visiones desde un punto nada subjetivo como el que le habría proporcionado las personas a las que sí ama.
Ya en su poema Amor feliz a través de la ironía, nos proporcionaba una ligera idea de su concepto de amor, que al parecer no se correspondía con ese concepto de algo romántico y maravilloso de la mayoría. Para ella el amor produce ceguera, imposibilidad de ver el mundo con objetividad, el amor enquista a una persona en la otra, roba la capacidad de elección, decidir a quien querer y a quien no.
Por amor somos capaces de dejar a un lado principios y cuestiones morales, para satisfacerlo o defenderlo.
Por eso su poema se titula gratitud, y la siente hacia aquellas personas a las que no ama, hacia aquellas personas por las que no tiene que deformar la realidad para cumplir con los requisitos morales del amor. Cuando no se ama se puede ver el mundo desde una perspectiva más fría y más lejana, desde una perspectiva más racional, una perspectiva que no puede darte el amor ya que siempre se verá influenciado por los sentimientos que nos harán cambiar el mundo de acorde con la felicidad y bienestar de nuestros amados. La autora también alude a la importancia de mantener una buena moral con la que puedas sentirte en paz, en los versos "la dicha de que no soy yo un lobo para sus ovejas".
domingo, 5 de febrero de 2012
Un viejo que leía novelas de amor.
ORGANIZACIÓN DE LAS IDEAS: Este texto narrativo de Luis Sepúlveda lo podemos estructurar en las siguientes partes:
Introducción: Se encuentra en las dos primeras líneas donde el autor nos resume los hechos que van a aparecer a continuación, la elección del protagonista acerca de sus gustos como lector y su planteamiento de preguntas y dudas.
Desarrollo: (Línea 3-24) Antonio José Bolívar va puliendo sus gustos de autor a través de una gradación temática, comienza desde los que menos le gustan hasta que consigue hallar la temática que la gusta. Va haciendo una gradación desde los libros de geometría que utilizaba para blasfemar, los de historia a los que no le veía nada real, por el libro "Corazón" al principio sintió un gran apego pero contenía mucha infelicidad. Hasta que con "El Rosario" de Florence Barclay consiguió dar con la llave, por tratarse de un libro que alternaba tanto el amor como la desgracia.
Desenlace: De la línea 25 al final, se narra como lo leyó infinidad de veces y como ahora esperaba del dentista nuevos libros que atrajesen so voracidad lectora y lo ayudaran a mantenerse alejado de su pasado.
El texto tiene una estructura inductiva, ya que la idea principal la encontramos al final, al saber la finalidad que le da el protagonista a la lectura a la que se apega para vivir a través del papel.
TEMA Y ESTRUCTURA: El tema puede ser la literatura como evasión.
José Bolívar Proaño esculpe sus gustos como lector a través de la práctica, en la que va desechando gradualmente los libros de geometría, historia, desgracias ... hasta llegar a su tema predilecto concedido a los libros de amor. Se dispone a devorar los libros que le ha prestado el dentista con vistas a escapar de la realidad de su pasado.
COMENTARIO CRÍTICO: En esta narración perteneciente al libro Un viejo que leía novelas de amor, por Luis Sepúlveda, el protagonista, un rudo sudamericano con un tipo de vida subdesarrollada y por debajo de lo humano y lo moral, presenta una extraña afición: la de ser adicto a novelas de amor que le retratasen a través de las palabras un tipo de vida muy diferente a la suya y que lo ayudara a evadirse de su propia realidad y su pasado. El autor nos propone un tema muy en boga durante toda la literatura, tal como escogerla como vía de evasión. La literatura como vía de evasión puede ser considerada desde dos puntos, le evasión del lector y la evasión del autor. El autor que se siente degradado, manipulado, que siente repulsión o contrariedad a la época o circunstancia que le ha tocado vivir se escapa o se evade de ella mediante la creación, la imaginación, la ficción...
Como ejemplos tenemos la literatura de Miguel de Unamuno, en la que es notable su tormento por la pérdida de su fe y la imposibilidad de alcanzar una vida eterna, todo ello amenazado por el miedo a la muerte, a lo desconocido... Tanto fue así que llegó a afirmar: “La literatura es acaso el mayor y casi único consuelo de haber nacido que les queda a los españoles que han tenido la desgracia de perder la fe religiosa en otra vida de ultratumba ".
O también un movimiento denominado como "realismo mágico" que consistió en representar la realidad con grandes toques de imaginación y fantasía, fue característico de la literatura hispanoamericana de mediados del siglo XX, surgido en un momento en que el auge de las dictaduras políticas hizo de la literatura un preciado medio y en un momento donde se dio un enfrentamiento entre la cultura de la tecnología y la de la superstición.
Sus principales representantes fueron grandes escritores como Gabriel García Márquez, Laura Esquivel, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar....
El lector por su parte es invadido por la literatura, la ficción hasta lograr salirse de su propia vida olvidando por un momento todo aquello que lo atormenta y deleitándose durante el momento de la lectura con otros infinitos mundos y vidas que a través de la imaginación lo extrapolan a otras ideas, problemas, situaciones, vivencias... en las que él mismo es protagonista. La literatura como evasión es un medio liberador para el lector. Y es que así como decía el famoso escritor checo Franz Kafka: "un libro tiene que ser un hacha que rompa el mar de hielo que llevamos dentro".
Introducción: Se encuentra en las dos primeras líneas donde el autor nos resume los hechos que van a aparecer a continuación, la elección del protagonista acerca de sus gustos como lector y su planteamiento de preguntas y dudas.
Desarrollo: (Línea 3-24) Antonio José Bolívar va puliendo sus gustos de autor a través de una gradación temática, comienza desde los que menos le gustan hasta que consigue hallar la temática que la gusta. Va haciendo una gradación desde los libros de geometría que utilizaba para blasfemar, los de historia a los que no le veía nada real, por el libro "Corazón" al principio sintió un gran apego pero contenía mucha infelicidad. Hasta que con "El Rosario" de Florence Barclay consiguió dar con la llave, por tratarse de un libro que alternaba tanto el amor como la desgracia.
Desenlace: De la línea 25 al final, se narra como lo leyó infinidad de veces y como ahora esperaba del dentista nuevos libros que atrajesen so voracidad lectora y lo ayudaran a mantenerse alejado de su pasado.
El texto tiene una estructura inductiva, ya que la idea principal la encontramos al final, al saber la finalidad que le da el protagonista a la lectura a la que se apega para vivir a través del papel.
TEMA Y ESTRUCTURA: El tema puede ser la literatura como evasión.
José Bolívar Proaño esculpe sus gustos como lector a través de la práctica, en la que va desechando gradualmente los libros de geometría, historia, desgracias ... hasta llegar a su tema predilecto concedido a los libros de amor. Se dispone a devorar los libros que le ha prestado el dentista con vistas a escapar de la realidad de su pasado.
COMENTARIO CRÍTICO: En esta narración perteneciente al libro Un viejo que leía novelas de amor, por Luis Sepúlveda, el protagonista, un rudo sudamericano con un tipo de vida subdesarrollada y por debajo de lo humano y lo moral, presenta una extraña afición: la de ser adicto a novelas de amor que le retratasen a través de las palabras un tipo de vida muy diferente a la suya y que lo ayudara a evadirse de su propia realidad y su pasado. El autor nos propone un tema muy en boga durante toda la literatura, tal como escogerla como vía de evasión. La literatura como vía de evasión puede ser considerada desde dos puntos, le evasión del lector y la evasión del autor. El autor que se siente degradado, manipulado, que siente repulsión o contrariedad a la época o circunstancia que le ha tocado vivir se escapa o se evade de ella mediante la creación, la imaginación, la ficción...
Como ejemplos tenemos la literatura de Miguel de Unamuno, en la que es notable su tormento por la pérdida de su fe y la imposibilidad de alcanzar una vida eterna, todo ello amenazado por el miedo a la muerte, a lo desconocido... Tanto fue así que llegó a afirmar: “La literatura es acaso el mayor y casi único consuelo de haber nacido que les queda a los españoles que han tenido la desgracia de perder la fe religiosa en otra vida de ultratumba ".
O también un movimiento denominado como "realismo mágico" que consistió en representar la realidad con grandes toques de imaginación y fantasía, fue característico de la literatura hispanoamericana de mediados del siglo XX, surgido en un momento en que el auge de las dictaduras políticas hizo de la literatura un preciado medio y en un momento donde se dio un enfrentamiento entre la cultura de la tecnología y la de la superstición.
Sus principales representantes fueron grandes escritores como Gabriel García Márquez, Laura Esquivel, Jorge Luis Borges, Julio Cortázar....
El lector por su parte es invadido por la literatura, la ficción hasta lograr salirse de su propia vida olvidando por un momento todo aquello que lo atormenta y deleitándose durante el momento de la lectura con otros infinitos mundos y vidas que a través de la imaginación lo extrapolan a otras ideas, problemas, situaciones, vivencias... en las que él mismo es protagonista. La literatura como evasión es un medio liberador para el lector. Y es que así como decía el famoso escritor checo Franz Kafka: "un libro tiene que ser un hacha que rompa el mar de hielo que llevamos dentro".
J.M Caballero Bonald- El justo
"Poemas póstumos" 1968
y comentario de:
EL justo:
aquel que edificó su casa
con nobles piedras ya
su abrigo
vivió decentemente
sin mandar ni ser mandado
aquel que obedeció los estatutos
de la naturaleza y así pudo
igualar con la vida el pensamiento
aquel que compartió los venerables
ordenamientos de la soledad
ese no podrá nunca ser vencido
porque nunca tampoco
usara contra nadie su poder
J.M CABALLERO BONALD.
En la segunda parte (7- 14) Sigue contando como el justo es aquel que además obedece las órdenes de la naturaleza, satisfaciendo sus necesidades orgánicas y llegando al mismo tiempo a un equilibrio con el pensamiento. También ha de conocer la soledad que lo ha ayudado en su reflexión. Ese será el hombre justo que sabrá disponer de su vida y su poder de la manera más justa posible.
La estructura es de tipo inductiva, ya que nos va desarrollando las cualidades que debe tener una persona para que se la pueda calificar de justa hasta llegar a una aplicación práctica en la vida de esas características.
TEMA Y RESUMEN:
El tema podría ser las características del justo.
El poeta nos define las cualidades que debe poseer toda aquella persona que merezca ser nombrado como justo. Entre ellas encontramos un equilibrio tanto ético y moral de la persona y sus necesidades naturales, aquel que no interfiere intentando manipular a los demás aunque posea el poder, pero al mismo tiempo vive su propia vida y no deja ser mandado por otros.
COMENTARIO CRÍTICO: En este poema de Caballero Bonald el autor se centra en describir las características que debe tener una persona para ser justa. Para edificar una ética sobre fuertes principios se vale de una metáfora del Nuevo Testamento en la que alude a una casa edificada sobre fuertes y resistentes piedras. Esa persona deberá ser una persona que vive sin mandar ni ser mandado, es aquel que vive para sí mismo y no se impone a los demás. Asimismo si es inteligente sabrá protegerse de que otros influyan sobre él. Encuentra el equilibrio de su mente junto a la satisfacción de sus necesidades materiales, que le confiere su estatus de ser vivo, el que conoce la soledad y con ella la reflexión.
Aquel que posea todas esas cualidades aún poseyendo el poder será justo y no lo ejercerá sobre otros, también evitando que otros lo hagan sobre él.
En este poema está muy presente el instinto de dominio que poseen todos los hombres, de manipulación. Aquel que posee el poder se cree en derecho de dominar a todos los demás, y para Caballero Bonald, aquel que incluso con el poder se opone a eso, está siendo justo.
Todas las personas tienden a ejercer un dominio sobre otras, ya sea queriendo o sin querer. La realidad es que nosotros mismos somos un cúmulo de distintas influencias mezcladas en nosotros. Estamos dominados e influidos por nuestras familias, por nuestro entorno, sencillamente somos así por esos dominios. Pero el autor parece referirse a un tipo de dominio con algo de connotación negativa, como sería imponer mediante el poder la opinión de uno, su pensamiento, su manera de hacer las cosas, influir sobre todo lo que le rodea para obtener un beneficio propio. Es al tipo de influencia que parece referirse, una influencia intencionada por parte de otra persona. Pero sin embargo es ese deseo de influencia también el que hace aparecer de personas "justas" su capacidad de comunicación, de expresión, y lo que es más importante, de debate. Si todos mirásemos hacia otro lado sin intentar intervenir en los demás, viviendo solo para nosotros, no existiría lo común.
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